Saggio sul tema: “Ritratto professionale di un insegnante. Saggio sul tema “Ritratto di un insegnante moderno Elenco della letteratura usata

SAGGIO SUL TEMA DI:

« RITRATTO DI UN INSEGNANTE MODERNO»

Reshetnikova Svetlana Nikolaevna,

insegnante della scuola elementare,

MBOU Astrakhan "Scuola secondaria n. 12"

Saggio "Ritratto di un insegnante moderno"

L'insegnante del 21 ° secolo è un creatore nelle aree più diverse dell'attività pedagogica: un tecnologo esperto, un organizzatore, sempre impegnato a riassumere il suo lavoro, a generalizzare la sua esperienza.

Non è facile parlare di cose tristi, eppure crederemo che l'insegnante del 21 ° secolo diventerà finalmente uno specialista in una professione ben pagata. Il grado di donazione che è insito nelle persone della nostra specialità sarà prima o poi meritatamente apprezzato dalla società del futuro.

"Un insegnante, indipendentemente dal sesso, dovrebbe vestirsi in modo rigoroso, modesto, pulito e ordinato, evitare colori vivaci e sgargianti. Con il suo aspetto, sarà in grado di dare un esempio di buon gusto ai suoi studenti. Naturalmente, le scarpe dovrebbero essere accuratamente puliti, i capelli dovrebbero essere ordinati e la manicure dovrebbe essere classica Tuttavia, i vestiti sono solo una parte dell'aspetto, il modo di comportarsi è importante.

“Un insegnante moderno deve stare al passo con i tempi” - sia gli insegnanti che gli studenti concordano con questa opinione. Ma cosa significa? Non è un segreto che il tempo non si fermi, il volume e la qualità delle informazioni, il contenuto dei programmi scolastici, dei libri di testo e dei manuali stanno cambiando rapidamente. L'uso della tecnologia informatica sta diventando un luogo comune nelle attività di un insegnante. Certo, un computer aiuta a informarsi, un libro dà spunti di riflessione, ma solo un insegnante può insegnare ed educare. Il suo compito è riempire il mondo dello studente di colori morali, credere nel bene e vedere il meglio negli studenti, che non c'è ancora, ma si manifesterà sicuramente in seguito, e anche insegnargli come imparare in modo che lo studente possa e vuole acquisire autonomamente la conoscenza. E, naturalmente, dovrebbe esserci un assistente insegnante, un insegnante partner e un impiegato nelle vicinanze.

Un insegnante che ha modi piacevoli, e questo include espressioni facciali, gesti, postura e capacità di comunicazione, conquista le persone. Tutti i modi dell'insegnante dovrebbero avere una caratteristica comune: questa è l'osservanza del tatto pedagogico, che include una maggiore sensibilità verso gli altri e la capacità di trovare una tale forma di comunicazione con un'altra persona che gli consenta di mantenere la dignità personale. Le qualità personali nella professione di insegnante sono inseparabili da quelle professionali. Nel tempo, il livello delle richieste che ci vengono poste diventa sempre più alto. Oggi dobbiamo davvero sapere e saper fare molto, altrimenti non saremo interessanti per i nostri studenti. Ma non dobbiamo dimenticare le qualità morali. E per questo è necessario che il nostro cuore, principale strumento pedagogico dell'insegnante, sappia vedere. Uno strumento per conoscere se stessi, la vita, l'anima di un bambino.

Oggi l'insegnante dovrebbe essere non solo una fonte di conoscenza, ma anche un partecipante attivo al processo educativo. Coinvolgere ogni bambino nel processo di apprendimento, saperlo ascoltare, farne il suo assistente, guardare con gli occhi dello studente il problema che lo preoccupa: questo è il compito dell'insegnante. Solo un insegnante esperto nella metodologia può organizzare adeguatamente le attività pedagogiche e prepararsi per la lezione. Ora si parla molto di innovazioni nel processo educativo. Gli insegnanti della nostra scuola non hanno una sola idea di innovazione. Non tutti gli insegnanti hanno compreso il proprio ruolo didattico, evolutivo ed educativo nel moderno processo pedagogico. Non tutti gli insegnanti sono pronti a rendere lo studente un partecipante alla pari nel processo pedagogico. Finora, non tutti gli insegnanti hanno identificato per sé i compiti prioritari dell'insegnamento.

Insegnare è una vocazione, insegnare è un ministero, non un lavoro.

Un insegnante professionista non va a lavorare, non serve ore di insegnamento, ma vive insieme ai bambini, sperimenta tutto ciò che accade ogni giorno, riunendo una minuziosa creatività invisibile nella preparazione delle lezioni, lavoro extrascolastico sull'argomento e tutte le diverse attività in collaborazione con gli studenti. Allo stesso tempo, mostra il desiderio di lavorare in modo creativo. L'attività creativa dell'insegnante, che coinvolge lo sviluppo del bambino, si basa sull'essere all'avanguardia, su una costante ricerca creativa in tutti i tipi di interazione con gli studenti.

L'insegnante deve stare al passo con i tempi: utilizzare innovazioni nel suo lavoro, vari metodi, deve essere fluente nel materiale insegnato. Ma soprattutto, deve essere una PERSONA CON LA LETTERA MAIUSCOLA. È necessario lasciare il negativo oltre la soglia della scuola, e portare e seminare il buono, ragionevole, eterno ai bambini, non importa quanto sia duro per l'anima. Non farebbe male ricordare la saggezza popolare sotto forma di proverbi e detti: "Quando arriva, risponderà". Dipende da noi cosa ci risponderà nel prossimo futuro. Abbiamo paura di pensare al futuro, quindi forse penseremo a chi stiamo educando e cosa vogliamo ricevere.

Qualunque sia l'opinione pubblica, una cosa è certa, il Paese ha bisogno di nuovo personale docente e di nuovi specialisti, come ex diplomati, in grado di realizzarsi nel futuro. Per quanto riguarda la personalità di un insegnante, penso che l'essenza di un vero insegnante risieda proprio nella parola "MAESTRO":
U è unico, intelligente, di successo, versatile, in grado di presentare professionalmente il materiale.
H - onesto, umano, sensibile, con senso dell'umorismo.

E - sincero, individualità.

T - pieno di tatto, tollerante, paziente.

E - naturale, affine.

L - amare i bambini, amare il suo lavoro.
b - e molto morbido come un segno morbido e la parola stessa!

… e questa verità sarà senza tempo.

Letteratura

1. Bordovskaya I. V., Rean A. A. Pedagogia. Libro di testo per la scuola superiore. Mosca: Pietro, 2005.

2. Introduzione all'attività pedagogica. Proc. indennità / ed. A. S. Robotova, T. V. Leontyeva, I. G. Shaposhnikova / M.: Academy, 2008.

3. Kolesnikova I. A., M. P. Gorchakova-Sibirskaya Design pedagogico. Libro di testo per istituti di istruzione superiore, M., Academy, 2006.

4. Kolesnika I. A., Borytko N. M., Polyakov S. D. Attività educative degli insegnanti. Libro di testo per istituti di istruzione superiore M.: Akakdemia, 2008.

5. Frolovskaya MN Formazione di un'immagine professionale del mondo dell'insegnante: Abstract. dis. …, 2009.

6. http://nsportol.ru/shkola/korrektsionnaya-pedagogika/library/2011/09/25/esse-portret sovremennogo-uchitelya-s-uchetom.

7. http://konovalovanata.ucoz.ru/publ/ehsse_portrer_sovremennogo_uchitlija_s_uchetom_kompetentnogo_podkhoola_v_obuchenii/1–1-0–5.

Questo genere include opere d'arte che catturano l'aspetto di una particolare persona (o gruppo di persone). Ogni ritratto trasmette caratteristiche individuali inerenti solo alla persona ritratta (o, come dicono gli artisti, modelli).

Il nome stesso di questo genere deriva da un'antica espressione francese che significa "riprodurre qualcosa al diavolo". Tuttavia, la somiglianza esterna non è l'unico, e forse non il principale criterio per il merito artistico di un ritratto. In una delle sale della Galleria Tretyakov è esposto un ritratto di A. I. Herzen, dipinto nel 1867 dall'artista russo N. N. Ge. L'aspetto del rivoluzionario russo, un ardente combattente contro l'autocrazia e la servitù, ci è ben noto da molte fotografie. L'artista ha riprodotto fedelmente i caratteristici tratti esterni di Herzen.

Ma l'idea del pittore non si limita al trasferimento di somiglianze esterne. Il volto di Herzen, come strappato dalla semioscurità da un fascio di luce diretto, rifletteva i suoi pensieri, la determinazione inflessibile di un combattente per la giustizia sociale. Ge catturato in questo ritratto non lo stato momentaneo della modella, ma la storia spirituale della personalità, incarnava l'esperienza di tutta la sua vita, piena di lotte e ansie. Inoltre, nelle vesti di una persona a lui spiritualmente vicina, Ge ha ricreato, per così dire, un tipo collettivo del miglior popolo russo del suo tempo. L'arte del ritratto richiede che, insieme alla somiglianza esterna, l'aspetto di una persona rifletta i suoi interessi spirituali, lo stato sociale e le caratteristiche tipiche dell'epoca in cui visse.

Inoltre, l'autore di un ritratto, di regola, non è un registratore spassionato delle caratteristiche esterne e interne della persona ritratta: l'atteggiamento personale dell'artista nei confronti del modello, la sua visione del mondo, il suo modo creativo lasciano un'impronta visibile su il lavoro. L'arte del ritratto risale a diversi millenni.

Già nell'antico Egitto, gli scultori, senza approfondire il mondo interiore dell'uomo, creavano una somiglianza abbastanza accurata del suo aspetto esteriore. Idealizzate, come attaccate al meraviglioso mondo degli dei e degli eroi mitici, le immagini di poeti, filosofi, personaggi pubblici erano comuni nell'arte plastica dell'antica Grecia.

I ritratti scultorei dell'antica Roma si distinguevano per la sorprendente veridicità e allo stesso tempo per la rigida certezza delle caratteristiche psicologiche. Un fenomeno eccezionale nel suo genere furono i pittoreschi ritratti di scopi rituali e magici, creati in Egitto nel I secolo a.C. AVANTI CRISTO e. - IV sec. N. e. (Nel luogo della scoperta, in seguito divennero noti come Fayum). Nel Medioevo, quando nell'arte europea regnavano immagini religiose e mitologiche astratte, alcuni maestri creavano ritratti psicologicamente accurati. (Tale, ad esempio, è la statua della contessa Uta nella cattedrale della città di Naumburg; ritratti scultorei della cattedrale di San Vito a Praga, ecc.) L'arte del ritratto fiorì durante il Rinascimento, quando la personalità umana eroica e attiva fu riconosciuta come il principio supremo, il valore principale dell'universo.

Molti dei suoi contemporanei - poeti, scienziati, governanti - furono catturati dal grande artista italiano Tiziano. Potere intellettuale, orgogliosa coscienza di indipendenza interiore, armonia spirituale dotata del suo autoritratto (1560, Prado, Madrid). Forza ed energia nascosta, serietà e mascolinità sono enfatizzate nel ritratto di Charles de Morette (c. 1536, Pinacoteca, Dresda), dipinto dal pittore X.Holbein Junior. Nel 17 ° secolo nella pittura europea viene in primo piano un ritratto da camera, intimo, in contrapposizione a un ritratto cerimoniale, ufficiale, volto all'esaltazione e alla glorificazione del raffigurato.

Con il suo “Ritratto di una vecchia” (1654, Museo Pushkin), il geniale ritrattista olandese Rembrandt ci introduce nel mondo interiore di una persona semplice, sconosciuta e rivela in lui la più grande ricchezza di gentilezza e umanità. Rembrandt è stato anche in grado di trasmettere una vasta gamma di diversi sentimenti, temperamenti, individualità umane in grandi ritratti di gruppo, come The Elders of the Cloth Shop (o Sindics, 1662, Rijksmuseum, Amsterdam).

Le migliori caratteristiche del carattere nazionale spagnolo: moderazione modesta, autostima rivelata nei ritratti di giullari nani (1640, Prado, Madrid) di un altro grande ritrattista del XVII secolo. - D.Velasquez.

Dall'inizio del XVIII secolo. il genere del ritratto si sta sviluppando attivamente nell'arte russa. Un'immagine complessa e ambigua di un militare dell'era petrina è raffigurata nel "Ritratto di un pavimento Hetman" (1720, Museo russo), scritto da I. N. Nikitin.

Nell'arte russa a cavallo tra i due secoli, come in un periodo precedente, il ritratto occupa un posto importante. Il significato e la varietà delle opere realizzate in questo genere è stato dimostrato dalla mostra "Ritratto nella pittura russa della fine del XIX - inizio del XX secolo", organizzata nel 1975 nelle sale del Museo di Stato russo. Esponeva le opere di oltre cinquanta artisti, di cui una buona metà lavorava sistematicamente al ritratto. Basta nominare nomi come I.E. Repin, V.I. Surikov, V.A. Serov, MA Vrubel, K.A. Korovin, F.A. Malyavin, K.A. Somov, M.V. Nesterov, S.V. Malyutin, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, B.D. Grigoriev, A.E. Yakovlev, K.S. Petrov-Vodkin.

L'arte russa, sviluppatasi nei decenni pre-rivoluzionari in condizioni storiche difficili, è un fenomeno ambiguo e sfaccettato. Riflettendo i cambiamenti fondamentali nelle relazioni sociali e lo stato d'animo dell'impennata rivoluzionaria nel paese, si è distinto per la sua incoerenza e acutezza nella ricerca artistica.

Tutto ciò era destinato ad incidere inevitabilmente sul ritratto, che aveva percorso in trent'anni, così come sulla pittura in genere, un percorso movimentato. Sebbene tra i ritratti degli anni '10 vi siano opere di un piano astrattista, il ritratto non offriva ancora così ampie opportunità per esperimenti puramente formali come, ad esempio, un paesaggio o una natura morta. Ciò è stato in parte spiegato dall'originalità del genere, che consisteva nella dipendenza particolarmente stretta dell'artista dalla natura, in una maggiore responsabilità nei suoi confronti.

È proprio nel ritratto, quindi, che si traccia più chiaramente che altrove la persistenza di tradizioni realistiche, emerge più chiaramente il legame con le realizzazioni precedenti. Le opere di V.G. Perova, I.N. Kramsky, N.N. Ge e soprattutto I.E. Repin, che ha conquistato con alto umanesimo e grande attenzione alla persona, è diventato il punto di partenza per il lavoro di numerosi artisti della generazione successiva.

Molti di loro non potevano passare dall'arte dei notevoli maestri del XVIII - prima metà del XIX secolo D.G. Levitsky, K.P. Bryullova, O.A. Kiprensky. Un desiderio irresistibile di trovare mezzi per migliorare l'impatto figurativo, la nitidezza e l'espressività del linguaggio pittorico e plastico ha portato a un appello all'esperienza visiva dell'arte classica dell'Occidente e dell'Oriente, alla pittura di icone russa, all'arte popolare e talvolta a nuove e l'ultima pittura europea.

Nella pratica creativa di alcuni maestri di grande talento, che sono riusciti a penetrare nell'essenza di alcuni fenomeni dell'arte del passato e a rifrangerli artisticamente secondo le proprie ricerche, senza perdere la propria individualità, tali ricerche a volte si sono rivelate estremamente fruttuose . Per coloro che erano incapaci di una comprensione creativa indipendente del materiale, si sono trasformati in prestito diretto ed eclettismo.

Il movimento dell'arte del ritratto del periodo in esame non procedeva in un unico flusso, ma si precipitava lungo più canali, tuttavia in esso si rivelano abbastanza chiaramente sia un orientamento generale che un cambiamento nelle forme espressive, ognuno dei quali è segnato da determinate caratteristiche stilistiche. Di conseguenza, l'approccio alla natura, la natura e il tipo del ritratto, le tecniche pittoriche e plastiche sono cambiate. Il lavoro di alcuni artisti rientra nel quadro di una certa direzione stilistica, mentre per altri va ben oltre i suoi limiti.

Nella seconda metà del XVIII sec. famosi ritrattisti hanno lavorato F. S. Rokotov, il creatore di immagini piene della più raffinata spiritualità (ritratto di V.I. Maikov, 1765 circa, Galleria Statale Tretyakov), D.G.Levitsky, nei suoi ritratti cerimoniali e da camera, ha sottolineato l'ampiezza spirituale e l'integrità armonica dei suoi modelli (ritratto di A. F. Kokorinov, 1769-1770, Museo Russo; ritratti di alunni dell'Istituto Smolny, c. 1773-1776, Museo Russo), VL Borovikovsky, autrice di ritratti femminili, intrisi di sottile lirismo (ritratto di M. I. Lopukhina, 1797, Galleria Statale Tretyakov).

Nella prima metà del XIX sec. il protagonista dell'arte del ritratto diventa una personalità romantica, diversa nelle sue manifestazioni. Fantastico e insieme propensione allo slancio eroico, viva naturalezza del volto e deliberata vistosità della posa si intrecciano nel pennello O. A. Kiprensky ritratto di un ussaro E. V. Davydov (1809, Museo Russo). La credenza romantica nell'inesauribilità dei poteri spirituali di un creatore umano è catturata negli autoritratti di O. A. Kiprensky ("Autoritratto con un album in mano", 1823, Galleria Tretyakov) e K. P. Bryullov (1848, Galleria Tretyakov).

Negli anni 1860-1870. il rinnovamento democratico dell'arte russa, la formazione del realismo, che influenzò pienamente le attività degli Erranti, influenzò direttamente la ritrattistica. Uno dei posti principali era occupato da un tipo speciale di ritratto: un ritratto-tipo, in cui una persona, raffigurata in tutta la sua complessità psicologica, veniva valutata anche dal suo ruolo nella società, ricreato in una combinazione inscindibile delle sue caratteristiche individuali e tipiche . Sopra, abbiamo visto come N. N. Ge ha incarnato questa combinazione nell'immagine di Herzen.

I seguaci di Ge su questo percorso furono V. G. Heroe (ritratto di F. M. Dostoevskij, 1872, Galleria statale Tretyakov) e I. N. Kramskoy (ritratto di L. N. Tolstoy, 1873, Galleria statale Tretyakov), che crearono un'intera galleria di ritratti di eccezionali contemporanei.

Tutta la vita e il lavoro Kramsky- la risposta a questa domanda. Artista di grande temperamento creativo, pensatore profondo e originale, si è sempre battuto per l'arte realistica avanzata, per il suo contenuto ideologico e democratico. Nel 1863 fu lui l'iniziatore della "rivolta del 14", quando i migliori studenti dell'Accademia delle Arti si rifiutarono di scrivere opere di diploma del programma su temi inverosimili e mitologici privi di contenuto sociale e organizzarono una sorta di comune - l'Artel degli Artisti.

Dal 1870, Kramskoy è stato il fondatore e leader ideologico dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti, un appassionato propagandista del realismo nell'arte. Non solo in tele monumentali come "Cristo nel deserto", si rifletteva l'instancabile ricerca dell'artista per l'ideale di cittadinanza e democrazia.

Forse sono incarnati in misura ancora maggiore in molti ritratti di contemporanei dipinti da Kramskoy negli anni '60 e '70. Un intellettuale raznochinets, che percorre il difficile sentiero delle prove della vita, scrutando attentamente ed esigente il mondo che lo circonda: ecco come appare l'artista in Autoritratto (1867, Galleria statale Tretyakov). Questo non è solo un ritratto, ma un ritratto-generalizzazione, in cui, attraverso l'individuo, inerente, sembrerebbe, viene trasmesso solo il modello, qualcosa di universale, naturale, caratteristico di tutte le migliori persone dell'epoca. La stessa straordinaria fusione di ciò che è psicologicamente unico e tipico del suo tempo nei ritratti di L. N. Tolstoy (1873) e N. A. Nekrasov (1877; entrambi - Galleria statale Tretyakov). Un posto speciale nella ritrattistica di Kramskoy è occupato dalle immagini dei contadini.

Non raffigura persone oscure schiacciate dal bisogno, ma un "Boscaiolo" (1874, Galleria Tretyakov) che conosce il proprio valore, pronto a difendersi, o Mina Moiseeva (1882, Museo Russo) affascinante nella sua saggia astuzia (1882, Museo Russo; bozzetto per il dipinto “Contadino con briglia”, 1883, Museo Statale di Arte Russa, Kiev).

I risultati più alti nella creazione di ritratti di tipo appartengono a I. E. Repin: trova nei suoi modelli pose, gesti, espressioni facciali unicamente specifici inerenti solo a loro, e con il loro aiuto trasmette sia le caratteristiche spirituali della personalità che le sue caratteristiche sociali.

Uno dei fattori che ha cambiato l'aspetto dei ritratti alla fine del XIX secolo è stato il plein air. Nell'appello all'aria aperta, molti artisti russi hanno visto un'opportunità per "trasferirsi" al sole, all'aria, un'opportunità per risolvere problemi di luce, colore e spazio. Pittura en plein air, risalente all'opera di A.A. Ivanov, nell'arte russa della seconda metà del XIX secolo, è associato principalmente ai nomi di V.D. Polenova e I.E. Repin. Una brillante implementazione dei principi del plein air è stata trovata nei dipinti di Repin "La processione religiosa nella provincia di Kursk" (1883) e "Non hanno aspettato" (1884).

Elementi dell'aria aperta sono contenuti anche in alcune altre opere dell'artista dell'epoca, in particolare nei ritratti di M.P. Musorgskij (1881) e V.V. Stasova (1883). Nell'arte di Repin, l'aria aperta è diventata un fattore importante nell'ultima fase finale della creatività. Repin ora preferisce scrivere giovani, soprattutto ragazze, tra la natura, illuminata dal sole. Questi ritratti, realizzati con colori chiari e puri, affermano la bellezza e il potere totalizzante della giovinezza ("Bielorussia", 1892; "Bouquet d'autunno", 1892; "Sotto il sole", 1900). Le nuove tendenze nell'arte hanno toccato la visione artistica del mondo e alcuni altri pilastri degli Erranti. Si fanno sentire negli studi di ritratto di Yaroshenko, realizzati sotto il sole splendente, nel suo ritratto di N.N. Ge (1890), meno tipizzato di altri, contenente un approccio emotivo al modello, che l'artista associa organicamente al suo naturale ambiente creativo, nel ritratto di N.I. Petrunkevich (1893), l'opera di Ge, sebbene di colore scuro, ma sia nella scelta del modello e della situazione, sia nel suo stato d'animo generale, ovviamente, riecheggia la crescente forza della giovane arte.

Agisce come ritrattista, maestro della pittura quotidiana e storica. Il ritratto non era solo il genere principale, ma anche la base del lavoro di Repin in generale. Quando lavora su grandi tele, si rivolge sistematicamente a studi di ritratto per chiarire l'aspetto e le caratteristiche dei personaggi. Tali sono il "Protodiacono" (1877) e "Il gobbo" (1881, Museo Russo), ritratti associati al dipinto "La processione nella provincia di Kursk" (1880-1883, Galleria Statale Tretyakov). Come in "Trasportatori di chiatte sul Volga", ma in una forma più ampia, qui si è manifestata la grande capacità di Repin di sentire e trasmettere la vita spontanea delle masse, folle di persone, senza perdere l'originalità individuale, ritrattistica di ogni volto.

Le caratteristiche della parte privilegiata della folla - il proprietario terriero, il mercante, il sacerdote - sono segnate dallo spirito di ironia socio-critica. Nell'interpretazione figurativa di gente comune, mendicanti, vagabondi, Repin rimane un umanista e realista, che vede sia la superiorità morale delle persone che le loro delusioni. Alla falsa pietà di un pubblico ben nutrito si oppone la speranza profondamente sincera ma cieca degli indigenti di far breccia nella loro verità in un mondo di oppressione e ingiustizia. Dopo V. G. Perov e I. N. Kramskoy, Repin continua a creare una galleria di immagini di rappresentanti di spicco del pensiero sociale, della scienza e della cultura russi.

Nei suoi migliori ritratti - V. V. Stasov, L. N. Tolstoy, M. P. Mussorgsky, Repin raggiunge la pienezza e la versatilità della sua caratterizzazione grazie alla sua straordinaria ingegnosità compositiva e all'attività dei mezzi pittorici, estranea alla dipendenza da qualsiasi modo: lei sempre coerente con il "modo " - abitudine, postura, temperamento - della persona ritratta.

Uno dei temi principali dei dipinti di genere di Repin sono i momenti tipici della vita di un populista rivoluzionario russo ("L'arresto di un propagandista", 1880-1892; "Rifiuto della confessione", 1879-1885 e "Non hanno aspettato", 1884-1888, tutti nella Galleria Statale Tretyakov). La gamma di reazioni psicologiche all'evento riflesse dall'artista nel dipinto “Non hanno aspettato” - stupore, sfiducia, gioia - è senza dubbio dominata da un dialogo silenzioso tra le opinioni della madre e del figlio tornato dall'esilio. L'eroe del film, senza rinunciare al passato, attende non compassione e petizione, ma comprensione e giustificazione della necessità di quel sacrificio in nome del dovere verso le persone che un tempo lo hanno costretto a lasciare la sua casa. Il riconoscimento da parte della famiglia dell'impresa civile di padre, fratello, figlio è proposto da Repin come un problema di ampia portata universale. La tendenza al dramma psicologico nella rappresentazione delle situazioni si riflette anche nella pittura storica di Repin. L'artista si sforza di mostrare eroi storici in momenti di estrema tensione mentale. Questa tendenza culmina nel dipinto Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581 (1885, Galleria Statale Tretyakov).

Il contenuto del quadro, oltre alla specifica plausibilità storica della situazione e dei personaggi, parla dell'“eterno” conflitto di punire il despota con il tormento del pentimento per il sangue innocentemente versato. Nel dipinto "I cosacchi scrivono una lettera al sultano turco" (1878-1891, Museo Russo) c'è un'idea diversa, legata alla ricerca di un ideale che affermi la vita, personaggi eroici. L'ultima alta ascesa del talento di Repin risale all'inizio del XX secolo, quando l'artista stava lavorando a un grandioso ritratto di gruppo "The Ceremonial Meeting of the State Council" (1901-1903, Russian Museum), completando una serie di studi, contraddistinto da notevole nitidezza di caratterizzazione e libertà pittorica. Autentico pathos civico, democrazia, espressa non solo in una profonda comprensione e rappresentazione della vita delle persone, ma nella chiarezza e accessibilità del linguaggio pittorico stesso, la più alta abilità realistica, il vero carattere, l'interesse per le questioni scottanti del nostro tempo - la garanzia del valore duraturo dell'arte di Repin.

L'esperienza di Repin nel campo del ritratto plein air è stata continuata e arricchita dai pittori della generazione più giovane: il suo allievo V.A. Serov e K.A. Korovin, le cui opere sono "The Girl with Peaches" (1887), "The Girl Illuminated by the Sun" (1888), "The Chorus Girl" (1883), un ritratto di T.S. Lubatovich (1886?) - furono una vera rivelazione per i contemporanei. Queste opere mostrano non solo il carattere dei ritratti e le loro caratteristiche individuali intrinseche, le figure delle ragazze sono strettamente legate all'ambiente esterno, tutto è permeato di luce e aria.

Una percezione così diretta del mondo, una tale persuasività della situazione, freschezza, sonorità e purezza del colore non hanno ancora conosciuto la ritrattistica russa. E ciò che è particolarmente importante in questo caso è che la luce nelle opere dei giovani artisti russi non solo non ha dissolto la figura di una persona in sé, come spesso accadeva nelle opere dell'impressionismo occidentale, ma, al contrario, ha contribuito all'identificazione della verità della vita, alla creazione di immagini poetiche ispirate.

Plein air ha arricchito in molti modi la pittura russa, ma allo stesso tempo era irta di un certo pericolo, soprattutto per la ritrattistica. Vi ha introdotto un momento di transitorietà, momentaneità, che, con eccessivo entusiasmo per gli effetti di luce e colore, rischiava di perdersi nel ritratto di una persona. Tuttavia, durante gli anni 1890 e anche nei primi due decenni del XX secolo, un certo numero di artisti russi ha usato abilmente sia plein air che alcune delle tecniche della tecnica impressionista nei loro ritratti.

Tuttavia, è importante sottolineare che il movimento progressivo della pittura è andato in una direzione diversa, verso il rafforzamento delle caratteristiche di decoratività e monumentalità. Le opere di Serov e Korovin negli anni ottanta dell'Ottocento divennero un collegamento importante nello sviluppo del genere dei ritratti. In molti modi espandendo il suo concetto, erano un tipo di ritratto davvero nuovo. La forma generalmente accettata di un ritratto nella seconda metà del XIX secolo era un mezzo busto, meno spesso un busto o un'immagine generazionale. Gli artisti concentrarono quasi tutta la loro attenzione sullo studio del volto umano.

Presentato su uno sfondo neutro, sembrava essere isolato dal mondo esterno, chiuso in se stesso. In "Girls" di Serov e nel ritratto di Lubatovich Korovin, lo spazio è preso in modo molto più generoso, più ampio. L'interno o il paesaggio non è solo uno sfondo, ma un ambiente naturale organico. Qui si è manifestata anche una delle principali tendenze nello sviluppo della ritrattistica russa di questo periodo: una tendenza verso un'implementazione pittorica sintetica generalizzata delle immagini. Dopotutto, questi non sono solo ritratti, ma ritratti-dipinti. Ciò che li rende tali è sia la presenza dell'entourage che il contenuto, il significato delle stesse caratteristiche del ritratto, la loro struttura sintetica. Non è un caso che "Ragazza con le pesche" e "Ragazza illuminata dal sole" di Serov siano diventate un simbolo di valori senza tempo: la giovinezza, la bellezza della vita, la vicinanza dell'uomo e della natura.

La loro forza sta nella misura esattamente trovata del particolare e del generale, del concreto-individuale e del tipico, del sensuale e del razionalista, dell'istantaneo e dell'eterno. L'espansione dei limiti di genere ha aperto nuove opportunità per gli artisti. La descrizione della persona ritratta includeva componenti aggiuntive che aiutavano a descrivere la modella in modo più versatile, a parlare del suo stile di vita, dei suoi gusti e interessi, del suo modo di vestire, di tenersi e così via. Per molti artisti l'interesse per la rotondità ha contribuito ad aumentare l'espressività emotiva dell'immagine, per altri ne ha attutito il suono, ha trasferito l'attenzione su dettagli minori, indebolendo l'interpretazione psicologica della personalità.

Il ritratto nella pittura russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è un fenomeno di grande portata artistica. È insolitamente vario nelle sue forme, caratteristiche stilistiche e linguaggio pittorico. Le più alte manifestazioni del genere sono caratterizzate da comprensione creativa della natura, immagini poetiche, arricchimento di mezzi espressivi e abilità artistica. E anche se la personalità del modello a volte non si rivela completamente in essi, caratterizzano ancora vividamente l'epoca, rivelano i tratti della sua vita spirituale e della sua ricerca artistica. Un profondo senso del tempo, un acuto senso dell'epoca è uno dei punti di forza dei migliori ritratti creati all'inizio del secolo. Il percorso creativo degli artisti, il cui talento si è formato in questo difficile periodo di transizione, non è stato facile. Dopo la Grande Rivoluzione d'Ottobre, le attività di molti maestri del pennello hanno ricevuto una nuova direzione. Malyutin, Brodsky, Petrov-Vodkin, Nesterov, Saryan, P. Kuznetsov, Mashkov, Konchalovsky, Altman, Lentulov, Osmerkin e molti altri si unirono ai ranghi degli artisti sovietici e divennero i costruttori dell'arte del realismo socialista.

Il ritratto gioca un ruolo importante nell'arte sovietica. La necessità di catturare l'immagine di una nuova persona, contrassegnata da qualità spirituali come il collettivismo, la determinazione rivoluzionaria, ha stimolato l'ulteriore sviluppo di un tipo di ritratto realistico; opere come "Chairwoman" di G. G. Ryazhsky (1928, State Tretyakov Gallery), "Partisan" di N. I. Strunnikov (1929, State Tretyakov Gallery), "Academician I. P. Pavlov" di M. V. Nesterov (1935, State Tretyakov Gallery) , sono diventate capienti simboli dell'era della riorganizzazione socialista della società. Un'immagine olistica, vivace e sfaccettata di V. I. Lenin è ricreata dalla "Leniniana" dello scultore N. A. Andreev - una serie unica composta da oltre 100 ritratti scultorei del capo del proletariato (1919-1932, il Museo di V. I. Lenin e Galleria Statale Tretyakov).

Le migliori qualità del popolo sovietico si riflettono nei ritratti del periodo della Grande Guerra Patriottica. Il ritratto sovietico si sviluppò ampiamente e sfaccettato negli anni del dopoguerra. A. A. Plastov incarnava le caratteristiche tipiche e stabili del carattere nazionale nelle immagini dei contadini-contadini. Angoli compositivi inaspettati, contrasti di macchie di colore locali sottolineano la nitidezza delle caratteristiche psicologiche nelle opere di P. D. Korin. T. T. / Salakhova ("Compositore Kara Karaev", 1960, Galleria Statale Tretyakov). Il significato dei personaggi, la costante prontezza all'azione si fanno sentire dietro l'impassibilità esterna dei personaggi nel dipinto di D. I. Zhilinsky “Ginnaste dell'URSS” (1964, Galleria Statale Tretyakov). Il moderno ritratto sovietico non solo consente uno sguardo più approfondito al mondo interiore del nostro contemporaneo, ma partecipa anche attivamente alla formazione di nuovi valori spirituali della società sovietica.

Uno degli aspetti essenziali di questo genere è la rappresentazione in pittura, grafica e scultura di immagini di importanti statisti e personaggi pubblici sovietici, nonché rappresentanti della scienza, della cultura e dell'arte. Il grande interesse del pubblico per il genere del ritratto è testimoniato dalle speciali mostre di ritratto che si tengono regolarmente negli ultimi anni.

Ragazza con le pesche. Ritratto di Vera Savvishna Mamontova (1875-1907), sposò Samarina. 1887

La ragazza con le pesche è la prima opera importante di Serov, che incarna la comprensione dell'artista dei nuovi compiti della pittura e, in particolare, della ritrattistica. La tela è concepita come un ritratto, in cui una persona viene data nell'ambiente più vicino e familiare per lui. Allo stesso tempo, privata delle caratteristiche della vita quotidiana, l'immagine è spiritualizzata e sublime. La verità della vita, la concretezza dell'analisi psicologica si uniscono nel quadro con una trasformazione poetica, una profonda penetrazione nella natura - con la sincerità e sincerità della sua percezione. La pittura plein air leggera, intrisa di freschezza e di un sottile senso della natura, contribuisce all'identificazione del carattere della persona ritratta. "Non abbiamo mai visto nelle immagini tanta aria, né luce, né questo calore tremolante, quasi la tangibilità della vita", I.E. Grabar.

Il giovane Serov, che visitava spesso Abramtsevo, era amico dei bambini di S.I. Mamontov. Nella più giovane - una ragazza allegra, allegra, mobile - ha trovato quel "piacevole" che sognava quando, dopo aver lasciato l'Accademia, ha iniziato a lavorare in modo indipendente. "L'idea del ritratto è nata così", scrive M.V., che ha visitato Abramtsevo l'anno successivo. Nesterov. - Verushka è rimasta a tavola dopo cena, tutti se ne sono andati e solo il silenziosissimo Serov era il suo interlocutore. Dopo una lunga riflessione, le ha chiesto di fargli dieci sedute, ma si sono rivelate poche e ha lavorato per un mese intero. Ne è venuta fuori una cosa meravigliosa che a Parigi avrebbe reso il suo nome, se non chiassoso, poi famoso...». La forza del ritratto non sta solo nel fascino dell'immagine, nella sonorità, nella purezza e vivacità del colore. "Volevo davvero mantenere la freschezza del dipinto con completa completezza", ha detto Serov. Nelle vesti di Vera Mamontova, il suo costume, il carattere dell'interno della vecchia casa del proprietario terriero (l'ex tenuta degli Aksakov), viene catturata la vita veramente russa, "un'intera striscia di cultura russa" (Grabar).

Non molti contemporanei hanno potuto apprezzare questo lavoro. Tra coloro che ne furono molto colpiti c'era V.V. Stasov. Considerando Serov il più eccezionale e talentuoso degli ultimi ritrattisti russi, scrisse: "... il giovane artista padroneggiava un colore forte, pittoresco e vivace, che conferiva un grande fascino a tutti i suoi eccellenti ritratti. Il migliore e il più perfetto di tutti è, a mio avviso, sinceramente ingenuo, un ritratto semplice e sincero di una giovane ragazza, Mamontova (seduta al tavolo) ... ".

Nel corso degli anni, il ritratto di un'adolescente ha acquisito un significato più ampio e astratto, trasformandosi (come la "Ragazza illuminata dal sole" di Serov un anno dopo) in un'immagine che personifica la bellezza della giovinezza, l'eterna gioia di essere. Per questo ritratto nel 1888, l'artista ricevette un premio dalla Moscow Society of Art Lovers.

Mazzo d'autunno. Ritratto di Vera Ilyinichna Repina (1872-1948), figlia dell'artista. 1892

Repin appartiene a una galassia di eccezionali maestri del realismo critico. I suoi dipinti "Trasportatori di chiatte sul Volga" (1870-1873), "Processione religiosa nella provincia di Kursk" (1880-1883), "Non hanno aspettato" (1884), "Rifiuto della confessione" (1879-1885), ritratti di M.P. Musorgskij (1881), V.V. Stasov (1883), L.N. Tolstoj (1887) e altre opere determinarono i più alti successi della pittura russa nella seconda metà del XIX secolo. UN. Benois ha notato che i dipinti di Repin erano così accattivanti per i giovani dalla mentalità democratica, che "disturbavano l'opinione pubblica" come il lavoro di nessun altro artista. Alla fine degli anni 1880 e all'inizio degli anni 1890, Repin dipinse principalmente ritratti. a cavallo tra due epoche e poi artisti entusiasti, Repin li descrisse come una trasmissione di "poesia nella vita, ... bellezza vitale" 2. Un magnifico maestro dell'aria aperta ("Su una panchina di torba", 1876; "Il processione nella provincia di Kursk" 1880 -1883), l'artista in questi anni si interessò particolarmente al lavoro all'aperto, e il paesaggio, più che mai, iniziò a svolgere un ruolo importante in molti dei suoi ritratti. "Bouquet d'autunno" è uno delle opere di prima classe di Repin del 1890. È stato creato a Zdravnev, la tenuta dell'artista, situata nella provincia di Vitebsk, sulle rive della Dvina occidentale. L'amata figlia di Repin Vera Ilyinichna ha posato per Repin. Era una persona dotata - ha studiato dipingendo, cantando, avendo completato corsi speciali al Teatro Alexandrinsky, e per qualche tempo si è esibito su palcoscenici privati ​​a San Pietroburgo e in altre città. In futuro, però, non si ritrovò nell'arte e dal 1914 iniziò a gestire la casa nella tenuta del padre a Penates. Iniziando a lavorare sul ritratto, l'artista ha informato sua figlia L.N. Tolstoj, T. L. Tolstoj: “Ora ho cominciato a dipingere da Vera: in mezzo a un giardino, con un grande mazzo di grossolani fiori autunnali, con un fiore all'occhiello sottile ed elegante; in un berretto, con un'espressione di un senso di vita, giovinezza e beatitudine. Con grande amore, l'artista ha trasmesso un volto attraente per la sua giovinezza, allegria e salute. Le distese di campi, ancora in fiore, ma toccate dal giallo dell'erba, dal verde degli alberi e dalla trasparenza dell'aria conferiscono all'opera un'atmosfera corroborante. La figura raffigurata in primo piano della ragazza è interpretata plasticamente, volumetricamente, materialmente.

Il bouquet eterogeneo tra le sue mani, per così dire, assorbiva tutti i colori della tela. Con combinazioni di colori sottilmente trovate, l'artista ha collegato la figura di un uomo con il paesaggio e ha trasmesso la sensazione di un ambiente saturo di luce. Il contenuto ottimistico del "Bouquet d'Autunno", la sua costruzione pittorica, il plein air sono i tratti distintivi dell'opera in questione. L'immagine creata nella foto è insolitamente caratteristica di Repin. Incarnando in lui la sua idea di "bellezza vitale", l'artista è ancora lontano dall'idealizzazione o, come lui stesso ha affermato, dalla "lucentezza, volgarità", spacciata per "elegante". Nel ritratto si manifestava pienamente la "gente comune" di Repin, il "realismo spietatamente veritiero".

"Autumn Bouquet" insieme al dipinto "Hunter" (raffigurato da N.I. Repina), anch'esso eseguito a Zdravnev, fu esposto alla XXI mostra dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti nel 1893. Il lavoro è stato molto apprezzato dalla stampa. Molti artisti lo hanno attribuito alle migliori opere presentate in mostra e "hanno fatto colpo".

Ritratto di Natalia Ivanovna Petrunkevich, sposò Konisskaya. 1893

Ge, in quanto persona di mentalità filosofica, era soprattutto affascinato da argomenti storici, religiosi e morali. Il suo famoso dipinto "Pietro I interroga lo zarevich Alessio" (1871) è giustamente considerato una delle opere più significative della pittura storica russa della seconda metà del XIX secolo. L'artista sognava una trasformazione morale della società e in una serie di dipinti su temi evangelici (L'ultima cena, 1863; Golgota, 1893; Crocifissione, 1894 e altri) cercava di incarnare la sua fede negli alti ideali universali di bontà, amore , e giustizia. Ge ha iniziato a lavorare sui ritratti mentre studiava ancora all'Accademia delle arti. Per molti anni di creatività, ha dipinto molti dei suoi contemporanei. Fondamentalmente, queste erano figure culturali avanzate: M.E. Saltykov-Shchedrin, N.I. Kostomarov, I.S. Turgenev, n.a. Nekrasov, M.M. Antokolsky, L.I. Tolstoj e altri. Ge possiede anche uno dei migliori ritratti di A.I. Erzen. Le opere eseguite negli anni 1850-1880 si distinguono per una profonda penetrazione nel mondo spirituale del modello. La persona in loro è solitamente mostrata in uno stato di intenso pensiero. Per la maggior parte si tratta di ritratti di busti, la loro gamma di colori è scura e sobria. Il ritratto di Natalia Ivanovna Petrunkevich è stato dipinto dall'artista alla fine della sua vita. A Ge ora interessa non tanto capire l'originalità del modello quanto trasmettere un certo stato d'animo. La ragazza è raffigurata quasi in piena crescita alla finestra aperta. È immersa nella lettura. Il suo volto, di profilo, l'inclinazione della testa, la sua postura esprimono uno stato di pensosità. Come mai prima d'ora, Ge ha prestato grande attenzione allo sfondo. Il paesaggio magnificamente reso fuori dalla finestra, gli ultimi raggi di sole prima del tramonto che scivolano attraverso il fogliame, il crepuscolo che si addensa portano nell'opera un senso della caducità del tempo, una certa prontezza e ansia. In termini di spiritualità dell'immagine e della sua interpretazione lirica, nonché del desiderio di una soluzione plein air, questa immagine è correlata ad alcune opere realizzate negli anni Ottanta dell'Ottocento dai giovani artisti V.A. Serov e K.A. Korovin. Il ritratto è stato dipinto nella provincia di Chernigov in una fattoria che apparteneva a Ge. Fuori dalla finestra della stanza si vede il viale di pioppi e betulle giganti che conduce alla casa dell'artista.

La figlia dei proprietari terrieri Petrunkevich, che vivevano nel quartiere, ha posato per Ge. Recentemente si è saputo che N.I. Petrunkevich fu fucilato dai petliuristi durante la guerra civile. L'opera fu esposta alla XXI mostra dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti nel 1893. CIOÈ. Repin, visitando la mostra, riferì a L.N. Tolstoj: “Il modo in cui un pittore ha ottenuto un grande successo contro le sue ultime opere. Mi piaceva molto la sua ragazza, in piedi davanti alla finestra aperta con lo sfondo di un giardino illuminato dal sole al tramonto ". Anche V.A. Serov apprezzava molto questo lavoro. Nel 1910 scrisse a I.S. Ostroukhov: "... perché non fare domande su ritratto di Ge - la signora Petrunkevich? Forse l'avrebbero venduto alla Galleria - cosa eccellente e lo ricordo molto bene ". Su raccomandazione di Serov, il ritratto è stato acquistato per la Galleria Tretyakov.

Irina Scriabina
Saggio "Ritratto di un insegnante moderno"

Saggio sul tema della« Ritratto di un insegnante moderno» .

Professione insegnante- uno dei più antichi. Infatti, insegnanteè un anello di congiunzione tra le generazioni, portatore di esperienze socio-storiche.

Moderno la vita pone nuove esigenze a una persona. La società ha bisogno di persone che siano pensatori curiosi, attivi, creativi, in grado di prendere decisioni non standard e assumersi la responsabilità della loro adozione, in grado di fare scelte di vita. E deve rimanere sempre giovane nel suo lavoro: stare al passo con i tempi, non fermarsi qui, stare sempre all'erta. Moderno l'insegnante deve essere un professionista in tutto.

La professione di insegnante è, a mio avviso, la più importante al mondo. L'insegnante deve risolvere molti problemi entusiasmanti per bambini. Questa probabilmente non è solo una professione, ma uno stato d'animo, perché il primo insegnante rimane nel cuore e nella memoria di ogni bambino. I bambini, entrando a scuola, trovano una seconda madre, la stessa premurosa, pronta ad aiutare nei momenti difficili, spiegare, insegnare, ascoltare, giudicare nelle controversie, ecc.

Non molto tempo fa, il compito principale di un insegnante di scuola elementare era insegnare ai bambini determinate conoscenze, abilità, elaborarle e consolidare le abilità. Nel nostro tempo in rapido sviluppo, questo è già non abbastanza: è necessario non solo "investire" una certa conoscenza, ma insegnare come ottenerla, insegnare come imparare.

In classe, l'insegnante e lo studente dovrebbero essere dipendenti, poiché solo in un ambiente fiducioso e amichevole il bambino potrà scoprire e realizzare il proprio potenziale. Il lavoro principale e principale della lezione è assegnato allo studente. Dopotutto, se un bambino viene costantemente nutrito con un cucchiaio e non gli viene dato tra le mani, non imparerà a mangiare da solo. Allo stesso modo su lezione: è necessario insegnare al bambino ad acquisire conoscenza con i propri sforzi, solo a questa condizione il bambino crescerà pensando, ragionando liberamente e non avrà paura di esprimere e difendere la propria opinione.

E il compito contemporaneo gli insegnanti si sforzano di sviluppare, arricchire questa personalità con conoscenze, abilità, emozioni ed esperienze di vita.

Sono un insegnante in una scuola elementare. Responsabilità di essere il primo insegnante. Dopotutto, è il primo insegnante che i genitori si fidano della cosa più preziosa che hanno: i loro figli. E dipende da me, il primo insegnante, come andrà a finire non solo la vita scolastica del bambino, ma anche il suo futuro. insegnante può creare un'atmosfera confortevole per la squadra dei bambini. Dopotutto, solo il rispetto e la fiducia, l'amore sincero per i bambini possono creare un'atmosfera di comprensione reciproca, vedere ogni bambino come una persona.

Moderno l'insegnante deve avere maniere piacevoli, e questo include espressioni facciali, gesti, postura e capacità comunicative, che conquistano le persone. Tutti i modi dell'insegnante dovrebbero avere una cosa in comune: questa è l'osservanza di tatto pedagogico, che include una maggiore sensibilità verso gli altri e la capacità di trovare una forma di comunicazione con un'altra persona che gli consenta di mantenere la dignità personale. L'insegnante deve essere in grado di ascoltare, comprendere, simpatizzare, incoraggiare, perdonare lo studente.

Credo che questa sia una persona con una solida posizione di vita, socialmente attiva, rispettando l'ordine, capace di condurre un dialogo costruttivo, lavorando costantemente per migliorare i propri orizzonti, formando un tipo di pensiero scientifico nei suoi allievi, sviluppando qualità personali creative dei bambini , attribuendo particolare importanza alla formazione delle competenze di base , UUD, offrendo l'opportunità di pianificare le proprie azioni volte al raggiungimento di un determinato risultato, la formazione di uno stile di vita sano e competenze socio-sanitarie.

Per gli studenti, le qualità personali di un insegnante sono più importanti di quelle professionali. Cioè, se un insegnante è molto apprezzato dagli studenti come persona, ameranno lui e la sua materia. E questo consentirà all'insegnante di avere successo.

L'insegnante moderno è un uomo chi è creduto, da chi si aspettano, anche se un piccolo, ma un miracolo ad ogni lezione. E, naturalmente, c'è una risposta non solo dal cuore dei bambini, ma anche dai loro genitori.

Amo la mia professione. Capisco che per avere successo, hai bisogno di un lavoro costante su te stesso, come salire una scala costruita. Sono pronto a crescere e migliorare...

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"Ritratto di un insegnante moderno"

consigliere anziano

Tarabykina E.S.

Non parlerò di come dovrebbe essere un insegnante moderno in generale, ma, riferendomi al fatto che io stesso lavoro in una scuola, rifletterò su questa categoria di persone. Io stesso ero un bambino e nelle mie fantasie ho dipinto un ritratto dell'insegnante ideale. Com'era? Di fronte a me ho visto una persona gentile e comprensiva che poteva sempre venire in soccorso in qualsiasi momento, sarebbe stata consigliera e mentore .. Volevo che l'insegnante mi amasse, mi rispettasse, apprezzasse il mio minimo successo. Questa è solo una parte di ciò che ho sognato sulla lunga strada per la scuola.

Come sapete, in qualsiasi fase dell'educazione, i bambini hanno bisogno di un mentore, a cui è dato da Dio per prevedere come risuonerà la sua parola nel cuore tremante del bambino, in attesa di comprensione, cura, sostegno da parte sua.

La vita moderna pone nuove esigenze a una persona. La società ha bisogno di persone che siano pensatori curiosi, attivi, creativi, in grado di prendere decisioni non standard e assumersi la responsabilità della loro adozione, in grado di fare scelte di vita.
Insegnante. Qual è la base della sua professione? Conoscenza della materia? Senza dubbio. Oratorio? Certamente. L'amore per i bambini, la capacità di capire e sentire come uno studente impara e cosa sperimenta allo stesso tempo? Bene, chi discuterà. E deve rimanere sempre giovane nel suo lavoro: stare al passo con i tempi, non fermarsi qui, stare sempre all'erta. Un insegnante moderno dovrebbe essere un professionista in tutto.

L'obiettivo principale del lavoro di un insegnante moderno è educare una persona reale: competente, creativa, diligente e reattiva.

Non solo l'appello visivo, ma anche il comportamento verbale forma l'immagine di un insegnante. La percezione e la comprensione del suo discorso da parte degli studenti è associata al processo di ascolto, che rappresenta circa il 25-50% del tempo di studio, pertanto le capacità linguistiche oggi sono la componente professionale più importante dell'immagine dell'insegnante.

Ci sono regole per la cultura del discorso dell'insegnante: parla a bassa voce, ma in modo che tutti possano ascoltarlo, chiaramente, in modo che il processo di ascolto non provochi uno stress significativo; velocità di parola di circa 120 parole al minuto. Ricorda: non sei solo ascoltato, ma anche visto, quindi non dimenticare il comportamento non verbale (espressioni facciali, gesti, posture, sguardo, andatura, postura).

Uno sguardo attento, un sorriso amichevole e gesti amichevoli hanno un effetto positivo. È importante ricordare che i gesti esplicativi contribuiscono a una migliore assimilazione delle informazioni. Ogni professione ha i suoi "non fare". Ci sono anche nella professione di insegnante: un insegnante non dovrebbe essere grigio.

Come S.L. Soloveichik: “Un insegnante ordinario non è una combinazione di parole molto legittima: un insegnante non può essere un insegnante ordinario, altrimenti non è un insegnante ... Colui che ha fatto domanda all'istituto pedagogico, infatti, si assume la responsabilità di diventare una persona ideale, almeno per i futuri studenti”.

L'insegnamento non è solo una professione, è un credo di vita. Se saremo tali insegnanti dipende solo da noi.

Composizione

La storia di N.V. Gogol Portrait è composta da due parti correlate.
La prima parte della storia racconta allo spettatore di un giovane artista di nome Chartkov, che un giorno, entrando in un negozio d'arte, scopre un ritratto straordinario. Raffigura un vecchio con una specie di costume asiatico e il ritratto stesso è vecchio. Ma Chartkov è semplicemente colpito dagli occhi del vecchio del ritratto: possedevano una strana vivacità; e distrutto l'armonia con la loro realtà. Chartkov compra un ritratto e lo porta nella sua povera casa. Nel frattempo, il sogno di Chartkov è diventare ricco e diventare un pittore alla moda. A casa esamina meglio il ritratto e vede che ora non solo gli occhi sono vivi, ma tutto il viso, sembra che il vecchio stia per prendere vita. Il giovane artista va a letto e sogna che il vecchio sia uscito dal suo ritratto e mostra una borsa in cui ci sono molti pacchi di denaro. L'artista ne nasconde discretamente uno. Al mattino scopre i soldi. Cosa succede al personaggio principale dopo? Chartkov affitta un nuovo appartamento, ordina un encomiabile articolo su se stesso sul giornale e inizia a dipingere ritratti alla moda. Inoltre, la somiglianza dei ritratti e
clienti - il minimo, poiché l'artista abbellisce i volti e rimuove i difetti. Il denaro scorre come un fiume. Lo stesso Chartkov si chiede come abbia potuto attribuire così tanta importanza alla somiglianza e passare così tanto tempo a lavorare su un ritratto. Chartkov diventa alla moda, famoso, è invitato ovunque. L'Accademia delle Arti gli chiede di esprimere la sua opinione sull'opera di un giovane artista. Chartkov stava per criticare, ma all'improvviso vede quanto sia magnifico il lavoro di un giovane talento. Capisce che una volta ha scambiato il suo talento con denaro. E poi è posseduto dall'invidia di tutti gli artisti di talento: inizia ad acquistare i migliori dipinti con un unico obiettivo: venire a farli a pezzi a casa. Allo stesso tempo, Chartkov vede costantemente gli occhi del vecchio dal ritratto. Presto muore, senza lasciare nulla: tutto il denaro è stato speso per la distruzione dei bellissimi dipinti di altri artisti.
Nella seconda parte del racconto Ritratto, l'autore parla di un'asta in cui viene venduto il ritratto di un vecchio. Tutti vogliono comprare uno strano dipinto, ma l'altra persona, dicendo che il ritratto dovrebbe andare da lui, perché lo stava cercando da molto tempo. La persona che ha acquistato il ritratto racconta una storia incredibile. C'era una volta a Pietroburgo un certo usuraio, che era diverso dalle altre opportunità di prestare qualsiasi somma di denaro. Ma una caratteristica strana: tutti coloro che hanno ricevuto denaro da lui hanno concluso tristemente la sua vita. Un certo giovane ha patrocinato le arti ed è fallito. Ha preso in prestito denaro da un usuraio e improvvisamente ha iniziato a odiare l'arte, ha iniziato a scrivere denunce, ovunque vedeva la rivoluzione imminente. Viene punito, esiliato e muore. Oppure - un certo principe si innamora di una bellezza. Ma non può sposarla, perché è rovinato. Rivolgendosi all'usuraio, la sposa e diventa geloso. In qualche modo si precipita persino contro sua moglie con un coltello, ma alla fine si accoltella. Il padre dell'uomo che ha acquistato il dipinto dall'artista. Una volta che l'usuraio ha chiesto di ritrarlo. Ma più a lungo disegna, più disgusto prova per il vecchio. Quando il ritratto è disegnato, l'usuraio dice che ora vivrà nel ritratto e muore la sera successiva. Nell'artista stesso stanno avvenendo dei cambiamenti: inizia a invidiare il talento dello studente ... Quando un amico scatta il ritratto, la pace torna all'artista. Si scopre presto che il ritratto ha portato sfortuna a un amico e lui l'ha venduto. L'artista capisce quanti problemi può portare la sua creazione. Avendo accettato, tonsurato un monaco, lasciato in eredità a suo figlio per trovare e distruggere il ritratto. Dice: Chi ha talento in se stesso deve essere il più puro di tutti nell'anima. Le persone che ascoltano la storia si rivolgono al ritratto, ma non c'è più: qualcuno è riuscito a rubarlo.
Così finisce la storia di N.V. Gogol Portrait.