Ensayo sobre el tema: “Retrato profesional de un maestro. Ensayo sobre el tema "Retrato de un maestro moderno Lista de literatura utilizada

ENSAYO SOBRE EL TEMA DE:

« RETRATO DE UN MAESTRO MODERNO»

Reshetnikova Svetlana Nikolaevna,

profesor de escuela primaria,

MBOU Astrakhan "Escuela Secundaria No. 12"

Ensayo "Retrato de un maestro moderno"

El docente del siglo XXI es un creador en las más diversas áreas de la actividad pedagógica: un tecnólogo experimentado, un organizador, siempre tratando de resumir su trabajo, de generalizar su experiencia.

No es fácil hablar de cosas tristes y, sin embargo, creeremos que el maestro del siglo XXI finalmente se convertirá en un especialista en una profesión muy bien remunerada. El grado de entrega inherente a las personas de nuestra especialidad tarde o temprano será merecidamente apreciado por la sociedad del futuro.

"Un maestro, independientemente de su género, debe vestirse de manera estricta, modesta, limpia y ordenada, evitar colores brillantes y llamativos. Por su apariencia, podrá dar un ejemplo de buen gusto para sus alumnos. Por supuesto, los zapatos deben ser cuidados limpio, el cabello debe estar limpio y la manicura debe ser clásica. Sin embargo, la ropa es solo una parte de la apariencia, la forma de comportamiento es importante.

“Un profesor moderno debe estar al día con los tiempos” - tanto los profesores como los estudiantes están de acuerdo con esta opinión. Pero, ¿qué significa? No es ningún secreto que el tiempo no se detiene, el volumen y la calidad de la información, el contenido de los programas escolares, los libros de texto y los manuales están cambiando rápidamente. El uso de la tecnología informática se está convirtiendo en un lugar común en las actividades de un docente. Por supuesto, una computadora ayuda a obtener información, un libro da que pensar, pero solo un maestro puede enseñar y educar. Su tarea es llenar de colores morales el mundo del estudiante, creer en el bien y ver lo mejor en los estudiantes, que aún no está ahí, pero que definitivamente se manifestará más adelante, y también enseñarle a aprender para que el estudiante pueda y quiere adquirir conocimientos de forma independiente. Y, por supuesto, debe haber un maestro asistente, un maestro asociado y un empleado cerca.

Un maestro que tiene modales agradables, y esto incluye expresiones faciales, gestos, posturas y habilidades de comunicación, conquista a las personas. Todos los modales del maestro deben tener una característica común: esta es la observancia del tacto pedagógico, que incluye una mayor sensibilidad hacia los demás y la capacidad de encontrar una forma de comunicación con otra persona que le permita mantener la dignidad personal. Las cualidades personales en la profesión docente son inseparables de las profesionales. Con el tiempo, el nivel de exigencias que se nos impone es cada vez más alto. Hoy realmente debemos saber y poder hacer mucho, de lo contrario no seremos interesantes para nuestros estudiantes. Pero no debemos olvidarnos de las cualidades morales. Y para ello es necesario que nuestro corazón, principal herramienta pedagógica del docente, sea capaz de ver. Una herramienta para conocerse a uno mismo, la vida, el alma de un niño.

Hoy, el docente debe ser no solo una fuente de conocimiento, sino también un participante activo en el proceso educativo. Involucrar a cada niño en el proceso de aprendizaje, poder escucharlo, convertirlo en su asistente, mirar a través de los ojos del alumno el problema que le preocupa: esta es la tarea del maestro. Solo un maestro que esté bien versado en la metodología puede organizar adecuadamente las actividades pedagógicas y prepararse para la lección. Ahora se habla mucho de innovaciones en el proceso educativo. Los profesores de nuestra escuela no tienen una sola idea de innovación. No todos los maestros han comprendido su propio papel de enseñanza, desarrollo y educación en el proceso pedagógico moderno. No todos los maestros están listos para hacer que el estudiante sea un participante igualitario en el proceso pedagógico. Hasta el momento, no todos los docentes han identificado por sí mismos las tareas prioritarias de la enseñanza.

Enseñar es un llamado, enseñar es un ministerio, no un trabajo.

Un maestro profesional no va a trabajar, no cumple con las horas de enseñanza, pero vive junto con los niños, experimenta todo lo que sucede todos los días, combinando la creatividad invisible y minuciosa en la preparación de las lecciones y el trabajo extracurricular sobre el tema, y ​​todos los diversos. actividades en colaboración con los estudiantes. Al mismo tiempo, muestra un deseo de trabajar creativamente. La actividad creativa del docente, que involucra el desarrollo del niño, se basa en estar a la vanguardia, en una constante búsqueda creativa en todo tipo de interacción con los alumnos.

El maestro debe mantenerse al día: utilizar innovaciones en su trabajo, varios métodos, debe tener fluidez en el material enseñado. Pero lo más importante, debe ser una PERSONA CON MAYÚSCULAS. Es necesario dejar lo negativo más allá del umbral de la escuela, y llevar y sembrar lo bueno, razonable, eterno a los niños, por más duro que sea para el alma. No estaría de más recordar la sabiduría popular en forma de proverbios y dichos: "Cuando llegue, responderá". De nosotros depende lo que nos responda en un futuro cercano. Tenemos miedo de pensar en el futuro, así que tal vez pensemos en a quién estamos educando y qué queremos recibir.

Cualquiera que sea la opinión pública, una cosa está clara, el país necesita nuevo personal docente y nuevos especialistas, como ex graduados de la escuela, capaces de realizarse en el futuro. En cuanto a la personalidad de un maestro, creo que la esencia de un verdadero maestro radica en la misma palabra "MAESTRO":
U es único, inteligente, exitoso, versátil, capaz de presentar el material de manera profesional.
H - honesto, humano, sensible, con sentido del humor.

Y - sincero, individualidad.

T - discreto, tolerante, paciente.

E - natural, de ideas afines.

L - amando a los niños, amando su trabajo.
b - ¡y muy suave como un signo suave y la palabra misma!

… y esta verdad será atemporal.

Literatura

1. Bordovskaya I. V., Rean A. A. Pedagogía. Libro de texto para la escuela secundaria. Moscú: Peter, 2005.

2. Introducción a la actividad pedagógica. proc. subsidio / ed. A. S. Robotova, T. V. Leontyeva, I. G. Shaposhnikova / M.: Academia, 2008.

3. Kolesnikova I. A., M. P. Gorchakova-Sibirskaya Diseño pedagógico. Libro de texto para instituciones de educación superior, M., Academy, 2006.

4. Kolesnika I. A., Borytko N. M., Polyakov S. D. Actividades educativas de los profesores. Libro de texto para instituciones de educación superior M.: Akakdemia, 2008.

5. Frolovskaya MN Formación de una imagen profesional del mundo del maestro: Resumen. dis. …, 2009.

6. http://nsportol.ru/shkola/korrektsionnaya-pedagogika/library/2011/09/25/esse-portret sovremennogo-uchitelya-s-uchetom.

7. http://konovalovanata.ucoz.ru/publ/ehsse_portrer_sovremennogo_uchitlija_s_uchetom_kompetentnogo_podkhoola_v_obuchenii/1–1-0–5.

Este género incluye obras de bellas artes que capturan la apariencia de una persona en particular (o grupo de personas). Cada retrato transmite características individuales inherentes solo a la persona retratada (o, como dicen los artistas, modelos).

El mismo nombre de este género proviene de una antigua expresión francesa que significa "reproducir algo al diablo". Sin embargo, la similitud externa no es el único, y quizás no el principal criterio del mérito artístico de un retrato. En una de las salas de la Galería Tretyakov se exhibe un retrato de A. I. Herzen, pintado en 1867 por el artista ruso N. N. Ge. La apariencia del revolucionario ruso, un feroz luchador contra la autocracia y la servidumbre, nos es bien conocida por muchas fotografías. El artista reprodujo fielmente los rasgos externos característicos de Herzen.

Pero la idea del pintor no se limita a la transferencia de similitud externa. El rostro de Herzen, como si hubiera sido arrancado de la penumbra por un haz de luz dirigido, reflejaba sus pensamientos, la determinación inquebrantable de un luchador por la justicia social. ge capturado en este retrato no el estado momentáneo de la modelo, sino la historia espiritual de la personalidad, encarnada la experiencia de toda su vida, llena de luchas y angustias. Además, bajo la apariencia de una persona espiritualmente cercana a él, Ge recreó, por así decirlo, un tipo colectivo de los mejores rusos de su tiempo. El arte del retrato requiere que, junto con el parecido externo, la apariencia de una persona refleje sus intereses espirituales, su estatus social y las características típicas de la época en la que vivió.

Además, el autor de un retrato, por regla general, no es un registrador desapasionado de las características externas e internas de la persona retratada: la actitud personal del artista hacia el modelo, su propia visión del mundo, su forma creativa dejan una huella visible en la obra. El arte del retrato se remonta a varios milenios.

Ya en el antiguo Egipto, los escultores, sin profundizar en el mundo interior del hombre, crearon una semejanza bastante precisa de su apariencia externa. Idealizadas, como adheridas al bello mundo de los dioses y héroes míticos, las imágenes de poetas, filósofos, personajes públicos eran comunes en las artes plásticas de la Antigua Grecia.

Los retratos escultóricos de la antigua Roma se distinguían por su sorprendente veracidad y, al mismo tiempo, por una rígida certeza de las características psicológicas. Un fenómeno destacado de este tipo fueron los retratos pintorescos de propósitos rituales y mágicos, que se crearon en Egipto en el siglo I a.C. antes de Cristo mi. - Siglo IV. norte. mi. (En el lugar del descubrimiento, más tarde se les conoció como Fayum). En la Edad Media, cuando las imágenes religiosas y mitológicas abstractas reinaban en el arte europeo, algunos maestros crearon obras de retratos psicológicamente precisas. (Tal, por ejemplo, es la estatua de la Condesa Uta en la catedral de la ciudad de Naumburg; los retratos escultóricos de la Catedral de San Vito en Praga, etc.) El arte del retrato floreció durante el Renacimiento, cuando la personalidad humana heroica y activa fue reconocida como la principio supremo, el principal valor del universo.

Muchos de sus contemporáneos, poetas, científicos, gobernantes, fueron capturados por el gran artista italiano. Tiziano. Potencia intelectual, orgullosa conciencia de independencia interior, armonía espiritual dotada de su autorretrato (década de 1560, Prado, Madrid). La fuerza y ​​la energía oculta, la seriedad y la masculinidad se destacan en el retrato de Charles de Morette (c. 1536, Galería de Arte, Dresde), pintado por el pintor X. Holbein Júnior. En el siglo 17 en la pintura europea se destaca un retrato de cámara, íntimo, frente a un retrato ceremonial, oficial, destinado a exaltar y glorificar al retratado.

Con su "Retrato de una anciana" (1654, Museo Pushkin), el genial retratista holandés Rembrandt nos introduce en el mundo interior de una persona sencilla y sin fama y revela en él las mayores riquezas de bondad y humanidad. Rembrandt también pudo transmitir una amplia gama de diferentes sentimientos, temperamentos e individualidades humanas en retratos de grupos grandes, como The Elders of the Cloth Shop (o Sindics, 1662, Rijksmuseum, Amsterdam).

Las mejores características del carácter nacional español: moderación modesta, autoestima se revelan en los retratos de bufones enanos (década de 1640, Prado, Madrid) de otro gran retratista del siglo XVII. - D. Velásquez.

De principios del siglo XVIII. el género del retrato se está desarrollando activamente en el arte ruso. Una imagen compleja y ambigua de un militar de la era petrina se representa en el "Retrato de un Hetman de piso" (1720, Museo Ruso), escrito por I. N. Nikitin.

Sobre el arte ruso en el cambio de dos siglos, como en un período anterior, el retrato ocupa un lugar importante. La importancia y variedad de las obras creadas en este género quedó demostrada por la exposición "Retrato en la pintura rusa de finales del siglo XIX - principios del siglo XX", organizada en 1975 en las salas del Museo Estatal Ruso. Exhibía las obras de más de cincuenta artistas, de los cuales una buena mitad trabajaba sistemáticamente en el retrato. Es suficiente nombrar nombres como I.E. Repin, VI. Surikov, V. A. Serov, MA Vrubel, K. A. Korovin, FA Malyavin, K.A. Somov, M. V. Nesterov, S.V. Malyutin, A. Ya. Golovin, L. S. Bakst, B. D. Grigoriev, A. E. Yakovlev, K. S. Petrov-Vodkin.

El arte ruso, que se desarrolló en las décadas prerrevolucionarias en condiciones históricas difíciles, es un fenómeno ambiguo y multifacético. Reflejando cambios fundamentales en las relaciones sociales y el estado de ánimo del levantamiento revolucionario en el país, se distinguió por su inconsistencia y agudeza de búsqueda artística.

Todo esto estaba destinado a afectar inevitablemente al retrato, que había transitado en treinta años, así como a la pintura en general, un camino accidentado. Aunque entre los retratos de la década de 1910 hay obras de plan abstraccionista, el retrato aún no brindaba oportunidades tan amplias para experimentos puramente formales como, por ejemplo, un paisaje o una naturaleza muerta. Esto se explicaba en parte por la originalidad del género, que consistía en la dependencia especialmente estrecha del artista con la naturaleza, en una mayor responsabilidad hacia ella.

Es precisamente en el retrato, por lo tanto, donde la persistencia de las tradiciones realistas se rastrea más claramente que en cualquier otro lugar, la conexión con los logros anteriores emerge con mayor claridad. Las obras de V.G. Perova, IN Kramskoy, N.N. Ge y especialmente I.E. Repin, que conquistó con un alto humanismo y una gran atención a la persona, se convirtió en el punto de partida para el trabajo de varios artistas de la próxima generación.

Muchos de ellos no pudieron pasar por el arte de los notables maestros del siglo XVIII, la primera mitad del siglo XIX D.G. Levitsky, K. P. Bryullova, O.A. Kiprensky. Un deseo irresistible de encontrar medios para realzar el impacto figurativo, la nitidez y la expresividad del lenguaje pictórico y plástico llevó a apelar a la experiencia visual del arte clásico de Occidente y Oriente, la pintura de iconos rusos, el arte popular y, a veces, a nuevos y última pintura europea.

En la práctica creativa de algunos maestros muy dotados, que lograron penetrar en la esencia de ciertos fenómenos del arte del pasado y refractarlos artísticamente de acuerdo con sus propias búsquedas, sin perder su individualidad, tales búsquedas resultaron a veces extremadamente fructíferas. . Para aquellos que eran incapaces de una comprensión creativa independiente del material, se convirtieron en préstamos directos y eclecticismo.

El movimiento del arte del retrato del período en cuestión no se desarrolló en una sola corriente, sino que se precipitó a lo largo de varios canales; sin embargo, se revelan con bastante claridad tanto una orientación general como un cambio en las formas de expresión, cada uno de los cuales está marcado por ciertas características estilísticas. En consecuencia, cambió el acercamiento a la naturaleza, la naturaleza y tipo del retrato, las técnicas pictóricas y plásticas. El trabajo de algunos artistas se inscribe en el marco de una cierta dirección estilística, mientras que para otros va mucho más allá de sus límites.

En la segunda mitad del siglo XVIII. famosos retratistas trabajaron F. S. Rokotov, el creador de imágenes llenas de la más fina espiritualidad (retrato de V.I. Maikov, ca. 1765, Galería Estatal Tretyakov), DG Levitsky, en sus retratos ceremoniales y de cámara, destacó la amplitud espiritual y la integridad armónica de sus modelos (retrato de A. F. Kokorinov, 1769-1770, Museo Ruso; retratos de alumnos del Instituto Smolny, c. 1773-1776, Museo Ruso), V. L. Borovikovsky, autora de retratos femeninos, imbuidos de sutil lirismo (retrato de M. I. Lopukhina, 1797, Galería Estatal Tretyakov).

En la primera mitad del siglo XIX. el protagonista del arte del retrato se convierte en una personalidad romántica, diversa en sus manifestaciones. El ensueño y al mismo tiempo una propensión al impulso heroico, la naturalidad vivaz del rostro y la vistosidad deliberada de la pose se entrelazan en el pincel. O. A. Kiprensky retrato de un húsar E. V. Davydov (1809, Museo Ruso). La creencia romántica en la inagotabilidad de los poderes espirituales de un creador humano se captura en los autorretratos de O. A. Kiprensky ("Autorretrato con un álbum en las manos", 1823, Galería Tretyakov) y K. P. Bryullov (1848, Galería Tretyakov).

En la década de 1860-1870. la renovación democrática del arte ruso, la formación del realismo, que afectó completamente las actividades de los Wanderers, afectó directamente al retrato. Uno de los lugares principales fue ocupado por un tipo especial de retrato: un tipo de retrato, donde una persona, representada en toda su complejidad psicológica, también fue evaluada por su papel en la sociedad, recreada en una combinación inseparable de sus características individuales y típicas. . Arriba, vimos cómo N. N. Ge encarnó esta combinación en la imagen de Herzen.

Los seguidores de Ge en este camino fueron V. G. Heroe (retrato de F. M. Dostoevsky, 1872, State Tretyakov Gallery) e I. N. Kramskoy (retrato de L. N. Tolstoy, 1873, State Tretyakov Gallery), quienes crearon toda una galería de retratos de destacados contemporáneos.

toda la vida y el trabajo Kramskoy- la respuesta a esta pregunta. Artista de gran temperamento creativo, pensador profundo y original, luchó siempre por el arte realista avanzado, por su contenido ideológico y democrático. En 1863, fue él quien inició la "revuelta de los 14", cuando los mejores estudiantes de la Academia de las Artes se negaron a escribir trabajos de graduación del programa sobre temas mitológicos inverosímiles sin contenido social y organizaron una especie de comuna. - el Artel de los Artistas.

Desde 1870, Kramskoy ha sido el fundador y líder ideológico de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerantes, un apasionado propagandista del realismo en el arte. No solo en lienzos tan monumentales como “Cristo en el desierto”, se reflejó la búsqueda incansable del artista por el ideal de ciudadanía y democracia.

Quizás estén encarnados en mayor medida en muchos retratos de contemporáneos pintados por Kramskoy en los años 60 y 70. Un raznochinets intelectual, caminando por el difícil camino de las pruebas de la vida, mirando con cuidado y exigencia al mundo que lo rodea: así es como aparece el artista en Autorretrato (1867, Galería Estatal Tretyakov). Este no es solo un retrato, sino un retrato-generalización, en el que, a través del individuo, inherente, al parecer, solo se transmite el modelo, algo universal, natural, característico de todas las mejores personas de la época. La misma fusión sorprendente de lo psicológicamente único y típico de su época en los retratos de L. N. Tolstoy (1873) y N. A. Nekrasov (1877; ambos - Galería Estatal Tretyakov). Un lugar especial en el trabajo de retratos de Kramskoy está ocupado por imágenes de campesinos.

No representa a personas oscuras aplastadas por la necesidad, sino a un "Leñador" (1874, Galería Tretyakov) que conoce su propio valor, listo para defenderse, o Mina Moiseeva (1882, Museo Ruso) encantadora en su sabia astucia (1882, Museo Ruso; boceto para el cuadro “Campesino con brida”, 1883, Museo Estatal de Arte Ruso, Kiev).

Los logros más altos en la creación de retratos tipo pertenecen a IE Repin: encuentra en sus modelos poses, gestos, expresiones faciales únicas y específicas inherentes solo a ellos, y con su ayuda transmite tanto las características espirituales de la personalidad como sus características sociales.

Uno de los factores que cambiaron la apariencia de los retratos a finales del siglo XIX fue el plein air. En el llamado al aire libre, muchos artistas rusos vieron la oportunidad de "mover" al sol, al aire, una oportunidad para resolver problemas de luz, color y espacio. Pintura al aire libre, que data del trabajo de A.A. Ivanov, en el arte ruso de la segunda mitad del siglo XIX, se asocia principalmente con los nombres de V.D. Polenova y el I.E. Repin. Se encontró una implementación brillante de los principios del plein air en las pinturas de Repin "La procesión religiosa en la provincia de Kursk" (1883) y "No esperaron" (1884).

Los elementos del aire libre también están contenidos en algunas otras obras del artista de esa época, en particular, en los retratos de M.P. Mussorgsky (1881) y V.V. Stasova (1883). En el arte de Repin, el aire libre se convirtió en un factor importante en la última etapa final de la creatividad. Repin ahora prefiere escribir a los jóvenes, especialmente a las niñas, entre la naturaleza, iluminada por el sol. Estos retratos, realizados con colores claros y puros, afirman la belleza y el poder conquistador de la juventud ("Bielorrusia", 1892; "Ramo de otoño", 1892; "Bajo el sol", 1900). Las nuevas tendencias en el arte tocaron la cosmovisión artística y algunos otros pilares de los Wanderers. Se hacen sentir en los estudios de retratos de Yaroshenko, realizados bajo el sol brillante, en su retrato de N.N. Ge (1890), menos tipificado que otros, contiene un acercamiento emocional a la modelo, que la artista asocia orgánicamente con su entorno creativo natural, en el retrato de N.I. Petrunkevich (1893), la obra de Ge, aunque de color oscuro, pero tanto en la elección del modelo y la situación como en su estado de ánimo general, por supuesto, refleja la fuerza creciente del arte joven.

Actúa como retratista, maestro de la pintura histórica y cotidiana. El retrato no solo fue el género principal, sino también la base del trabajo de Repin en general. Cuando trabajaba en grandes lienzos, recurría sistemáticamente a estudios de retratos para aclarar la apariencia y las características de los personajes. Tales son el "Protodiácono" (1877) y "El jorobado" (1881, Museo Ruso), retratos asociados con la pintura "La procesión en la provincia de Kursk" (1880--1883, Galería Estatal Tretyakov). Como en "Transportadores de barcazas en el Volga", pero en una forma más grande, aquí se manifestó la gran capacidad de Repin para sentir y transmitir la vida espontánea de las masas, multitudes de personas, sin perder la originalidad individual y retratada de cada rostro.

Las características de la parte privilegiada de la multitud -el terrateniente, el comerciante, el sacerdote- están marcadas por el espíritu de ironía sociocrítica. En la interpretación figurativa de la gente común, mendigos, vagabundos, Repin sigue siendo un humanista y realista, que ve tanto la superioridad moral de las personas como sus delirios. A la falsa piedad de un público bien alimentado se opone la esperanza profundamente sincera pero ciega de los indigentes de abrirse paso hacia su verdad en un mundo de opresión e injusticia. Siguiendo a V. G. Perov e I. N. Kramskoy, Repin continúa creando una galería de imágenes de destacados representantes del pensamiento social, la ciencia y la cultura rusa.

En sus mejores retratos - V. V. Stasov, L. N. Tolstoy, M. P. Mussorgsky, Repin logra la plenitud y versatilidad de su caracterización gracias a su asombroso ingenio compositivo y actividad de medios pictóricos, ajenos a la adicción a cualquier manera: ella siempre consistente con la "manera "- hábito, postura, temperamento- de la persona retratada.

Uno de los temas principales de las pinturas de género de Repin son los momentos típicos de la vida de un populista revolucionario ruso ("El arresto de un propagandista", 1880-1892; "Rechazo de confesión", 1879-1885 y "No esperaron", 1884-1888, todo en la Galería Estatal Tretyakov). La gama de reacciones psicológicas ante el hecho reflejadas por el artista en el cuadro “No esperaron” -asombro, desconfianza, alegría- está dominada sin duda por un diálogo silencioso entre las miradas de la madre y el hijo que regresa del exilio. El héroe del cuadro, sin renunciar al pasado, espera no la compasión y la petición, sino la comprensión y la justificación de la necesidad de ese sacrificio en nombre del deber hacia el pueblo que una vez lo obligó a abandonar su hogar. El reconocimiento por parte de la familia de la hazaña civil del padre, hermano, hijo es planteado por Repin como un problema de amplia trascendencia universal. La tendencia al drama psicológico en la representación de situaciones también se refleja en la pintura histórica de Repin. El artista se esfuerza por mostrar héroes históricos en momentos de extrema tensión mental. Esta tendencia culmina con la pintura Iván el Terrible y su hijo Iván el 16 de noviembre de 1581 (1885, Galería Estatal Tretyakov).

El contenido de la imagen, además de la plausibilidad histórica específica de la situación y los personajes, habla del conflicto "eterno" de castigar al déspota con el tormento del arrepentimiento por la sangre derramada inocentemente. En la pintura "Los cosacos escriben una carta al sultán turco" (1878-1891, Museo Ruso) hay una idea diferente, relacionada con la búsqueda de un ideal que afirme la vida, personajes heroicos. El último auge del talento de Repin se remonta a principios del siglo XX, cuando el artista estaba trabajando en un grandioso retrato grupal "La reunión ceremonial del Consejo de Estado" (1901-1903, Museo Ruso), completando una serie de estudios, distinguidos por una notable nitidez de caracterización y libertad pictórica. Genuino patetismo cívico, democracia, expresado no solo en una profunda comprensión y descripción de la vida de las personas, sino también en la claridad y accesibilidad del lenguaje pictórico en sí mismo, la más alta habilidad realista, verdadero carácter, interés en los temas candentes de nuestro tiempo: la garantía. del valor perdurable del arte de Repin.

La experiencia de Repin en el campo del retrato al aire libre fue continuada y enriquecida por pintores de la generación más joven: su alumno V.A. Serov y K.A. Korovin, cuyas obras son "La chica de los melocotones" (1887), "La chica iluminada por el sol" (1888), "La chica del coro" (1883), un retrato de T.S. Lubatovich (¿1886?) - fueron una verdadera revelación para los contemporáneos. Estas obras muestran no solo el carácter del retratado y sus características individuales inherentes, las figuras de las niñas están estrechamente conectadas con el entorno externo, todo está impregnado de luz y aire.

Una percepción tan directa del mundo, tal persuasión de la situación, frescura, sonoridad y pureza de color aún no ha conocido el retrato ruso. Y lo que es especialmente importante en este caso es que la luz en las obras de los jóvenes artistas rusos no solo no disolvió la figura de una persona en sí misma, como sucedió a menudo en las obras del impresionismo occidental, sino que, por el contrario, contribuyó. a la identificación de la verdad de la vida, la creación de imágenes poéticas inspiradas.

El aire libre enriqueció la pintura rusa de muchas maneras, pero al mismo tiempo estaba cargada de cierto peligro, especialmente para el retrato. Introdujo en él un momento de fugacidad, de momentaneidad, que, con un excesivo entusiasmo por los efectos de luz y color, amenazaba perderse en el retrato de una persona. Sin embargo, durante la década de 1890 e incluso las dos primeras décadas del siglo XX, varios artistas rusos utilizaron hábilmente tanto el aire libre como algunas de las técnicas de la técnica impresionista en sus retratos.

Sin embargo, es importante destacar que el movimiento progresivo de la pintura fue en otra dirección, hacia el fortalecimiento de los rasgos de decoratividad y monumentalidad. Las obras de Serov y Korovin en la década de 1880 se convirtieron en un eslabón importante en el desarrollo del género del retrato. En muchos sentidos, ampliando su concepto, eran un tipo de retrato verdaderamente nuevo. La forma generalmente aceptada de un retrato en la segunda mitad del siglo XIX era una imagen de medio cuerpo, con menos frecuencia busto o generacional. Los artistas centraron casi toda su atención en el estudio del rostro humano.

Presentado sobre un fondo neutro, parecía aislado del mundo exterior, encerrado en sí mismo. En "Girls" de Serov y el retrato de Lubatovich Korovin, el espacio se toma mucho más generosamente, más amplio. El interior o paisaje no es solo un fondo, sino un entorno natural orgánico. Una de las principales tendencias en el desarrollo del arte del retrato ruso de este período también se manifestó aquí: una tendencia hacia una implementación pictórica sintética generalizada de imágenes. Después de todo, estos no son solo retratos, sino retratos-pinturas. Lo que los hace así es tanto la presencia del entorno como el contenido, la significación de las propias características del retrato, su estructura sintética. No es casualidad que "Niña con melocotones" y "Niña iluminada por el sol" de Serov se hayan convertido en un símbolo de valores atemporales: la juventud, la belleza de la vida, la cercanía del hombre y la naturaleza.

Su fuerza radica en la medida exactamente encontrada de lo particular y lo general, lo concreto-individual y lo típico, lo sensual y lo racionalista, lo instantáneo y lo eterno. La expansión de los límites de género abrió nuevas oportunidades para los artistas. La descripción de la persona retratada incluía componentes adicionales que ayudaban a describir a la modelo de una forma más versátil, a hablar de su estilo de vida, gustos e intereses, su forma de vestir, de sujetarse, etc. Para muchos artistas, el interés por la redondez contribuyó a aumentar la expresividad emocional de la imagen, para otros amortiguó su sonido, transfirió la atención a los detalles menores, debilitando la interpretación psicológica de la personalidad.

El retrato en la pintura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX es un fenómeno de gran escala artística. Es inusualmente diversa en sus formas, características estilísticas y lenguaje pictórico. Las manifestaciones más altas del género se caracterizan por la comprensión creativa de la naturaleza, la imaginería poética, el enriquecimiento de los medios expresivos y el arte. E incluso si la personalidad del modelo a veces no se revela completamente en ellos, todavía caracterizan vívidamente la época, revelan las características de su vida espiritual y su búsqueda artística. Un profundo sentido del tiempo, un agudo sentido de la época es uno de los puntos más fuertes de los mejores retratos creados en el cambio de siglo. El camino creativo de los artistas, cuyo talento se formó en este difícil momento de transición, no fue fácil. Después de la Gran Revolución de Octubre, las actividades de muchos maestros del pincel recibieron un nuevo rumbo. Malyutin, Brodsky, Petrov-Vodkin, Nesterov, Saryan, P. Kuznetsov, Mashkov, Konchalovsky, Altman, Lentulov, Osmerkin y muchos otros se unieron a las filas de los artistas soviéticos y se convirtieron en los constructores del arte del realismo socialista.

El retrato juega un papel importante en el arte soviético. La necesidad de capturar la imagen de una nueva persona, marcada por cualidades espirituales como el colectivismo, la determinación revolucionaria, estimuló el desarrollo posterior de un tipo de retrato realista; obras como "Presidenta" de G. G. Ryazhsky (1928, Galería Estatal Tretyakov), "Partisano" de N. I. Strunnikov (1929, Galería Estatal Tretyakov), "Académico I. P. Pavlov" de M. V. Nesterov (1935, Galería Estatal Tretyakov) , se han vuelto espaciosos símbolos de la era de la reorganización socialista de la sociedad. La "Leniniana" del escultor N. A. Andreev recrea una imagen holística, viva y multifacética de V. I. Lenin, una serie única que consta de más de 100 retratos escultóricos del líder del proletariado (1919-1932, el Museo de V. I. Lenin y la Galería Estatal Tretyakov).

Las mejores cualidades del pueblo soviético se reflejan en los retratos del período de la Gran Guerra Patriótica. El retrato soviético se desarrolló ampliamente y con múltiples facetas en los años de la posguerra. A. A. Plastov encarnó características típicas y estables del carácter nacional en las imágenes de campesinos-compatriotas. Ángulos de composición inesperados, contrastes de manchas de color locales enfatizan la nitidez de las características psicológicas en las obras de P. D. Korin. T. T. / Salakhova ("Compositor Kara Karaev", 1960, Galería Estatal Tretyakov). La importancia de los personajes, la disposición constante para la acción se sienten detrás de la impasibilidad externa de los personajes en la pintura de D. I. Zhilinsky "Gimnastas de la URSS" (1964, Galería Estatal Tretyakov). El retrato soviético moderno no solo permite una mirada más profunda al mundo interior de nuestro contemporáneo, sino que también participa activamente en la formación de nuevos valores espirituales de la sociedad soviética.

Una de las facetas esenciales de este género es la representación en pintura, gráficos y escultura de imágenes de destacados estadistas y figuras públicas soviéticas, así como representantes de la ciencia, la cultura y el arte. El gran interés del público en el género del retrato se evidencia en las exposiciones especiales de retratos que se realizan periódicamente en los últimos años.

Chica con melocotones. Retrato de Vera Savvishna Mamontova (1875-1907), casada con Samarina. 1887

La joven de los melocotones es la primera obra importante de Serov y encarna la comprensión del artista de las nuevas tareas de la pintura y, en particular, de la pintura de retratos. El lienzo está diseñado como un retrato-pintura, donde se presenta a una persona en el entorno más cercano y familiar para ella. Al mismo tiempo, privada de las características de la vida cotidiana, la imagen se espiritualiza y sublime. La verdad de la vida, la concreción del análisis psicológico se combinan en la imagen con una transformación poética, una penetración profunda en la naturaleza, con la sinceridad y sinceridad de su percepción. La pintura ligera al aire libre, impregnada de frescura y un sutil sentido de la naturaleza, contribuye a la identificación del carácter del retratado. “Nunca habíamos visto en las imágenes tal aire, ni luz, ni este calor tembloroso, casi la tangibilidad de la vida”, I.E. Grabar.

El joven Serov, que visitaba a menudo a Abramtsevo, era amigo de los niños de S.I. Mamontov. En la más joven -una niña jovial, jovial, móvil- encontró ese "agradable" con el que soñaba cuando, tras salir de la Academia, empezó a trabajar de forma independiente. “La idea del retrato nació de esta manera”, escribe M.V., quien visitó Abramtsevo al año siguiente. Nésterov. - Verushka permaneció en la mesa después de la cena, todos se fueron, y solo el extremadamente silencioso Serov fue su interlocutor. Después de una larga contemplación, le pidió que le diera diez sesiones, pero resultaron ser pocas y trabajó durante un mes entero. Salió una cosa maravillosa que en París haría su nombre, si no ruidoso, entonces famoso...". La fuerza del retrato no está sólo en el encanto de la imagen, la sonoridad, la pureza y la vivacidad del color. “Tenía muchas ganas de mantener la frescura de la pintura con total integridad”, dijo Serov. Bajo la apariencia de Vera Mamontova, su traje, el carácter del interior de la antigua casa del terrateniente (la antigua propiedad de los Aksakov), se captura la vida verdaderamente rusa, "toda una franja de la cultura rusa" (Grabar).

No muchos contemporáneos pudieron apreciar este trabajo. Entre los que quedaron muy impresionados por él estaba V.V. Stasov. Considerando a Serov como el más destacado y talentoso de los últimos retratistas rusos, escribió: "... el joven artista dominó un color fuerte, pintoresco y vivo, que le dio un gran encanto a todos sus excelentes retratos. El mejor y más perfecto de todos es, en mi opinión, sinceramente ingenuo, un retrato sencillo y sincero de una joven, Mamontova (sentada a la mesa)...".

Con los años, el retrato de una adolescente adquirió un significado más amplio y abstracto, convirtiéndose (como la “Niña iluminada por el sol” de Serov un año después) en una imagen que personifica la belleza de la juventud, la eterna alegría de ser. Por este retrato en 1888, el artista recibió un premio de la Sociedad de Amantes del Arte de Moscú.

ramo de otoño. Retrato de Vera Ilyinichna Repina (1872-1948), hija del artista. 1892

Repin pertenece a una galaxia de destacados maestros del realismo crítico. Sus pinturas "Transportistas de barcazas en el Volga" (1870-1873), "Procesión religiosa en la provincia de Kursk" (1880-1883), "No esperaron" (1884), "Rechazo de confesión" (1879-1885), retratos de M.P. Mussorgsky (1881), V. V. Stasov (1883), L.N. Tolstoy (1887) y otras obras determinaron los logros más altos de la pintura rusa en la segunda mitad del siglo XIX. UN. Benois señaló que las pinturas de Repin eran tan cautivadoras para los jóvenes de mentalidad democrática que "perturbaban a la opinión pública" como ningún otro trabajo de artista. A fines de la década de 1880 y principios de la de 1890, Repin pintó principalmente retratos. Encarnaban su comprensión de las nuevas tareas. en el cambio de dos épocas y luego entusiasmó a los artistas, Repin los describió como una transmisión de "poesía en vida, ... belleza vital" 2. Un magnífico maestro del aire libre ("Sobre un banco de césped", 1876; "El procesión en la provincia de Kursk" 1880 -1883), el artista durante estos años se interesó especialmente en trabajar al aire libre, y el paisaje, más que nunca antes, comenzó a jugar un papel importante en muchos de sus retratos. "Ramo de otoño" es uno de las obras de primera clase de Repin de la década de 1890. Fue creado en Zdravnev, la finca del artista, ubicada en la provincia de Vitebsk, a orillas del Dvina occidental. La amada hija de Repin, Vera Ilyinichna, posó para Repin. Era una persona talentosa: estudió pintando, cantando, habiendo completado cursos especiales en el Teatro Alexandrinsky, y durante algún tiempo actuó en escenarios privados en San Petersburgo y otras ciudades. En el futuro, sin embargo, no se encaminó al arte y a partir de 1914 pasó a ocuparse de la casa en la hacienda de su padre en Penates. Al comenzar a trabajar en el retrato, el artista le informó a su hija L.N. Tolstoi, T. L. Tolstoi: “Ahora comencé a pintar de Vera: en medio de un jardín, con un gran ramo de flores toscas de otoño, con un fino y elegante boutonniere; en una boina, con una expresión de un sentido de la vida, la juventud y la felicidad. Con mucho amor, la artista transmitió un rostro atractivo por su juventud, alegría y salud. Las extensiones de los campos, todavía en flor, pero tocados por el tono amarillento de la hierba, los árboles verdes y la transparencia del aire aportan un estado de ánimo vigorizante a la obra. La figura representada en primer plano de la niña se interpreta plástica, volumétrica y materialmente.

El ramo abigarrado en sus manos, por así decirlo, absorbió todos los colores del lienzo. Con combinaciones de colores sutilmente encontradas, el artista conectó la figura de un hombre con el paisaje y transmitió la sensación de un ambiente saturado de luz. El contenido optimista del "Ramo de Otoño", su construcción pictórica, plein air son los rasgos distintivos de la obra en cuestión. La imagen creada en la imagen es inusualmente característica de Repin. Encarnando en él su idea de "belleza vital", el artista aún está lejos de la idealización o, como él mismo dijo, de la "pulcritud, la vulgaridad", que se hace pasar por "elegante". En el retrato, la "gente común" de Repin, el "realismo despiadadamente veraz" se manifestó completamente.

"Ramo de otoño" junto con la pintura "Cazador" (representada por N.I. Repina), también realizada en Zdravnev, se exhibió en la XXI exposición de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerante en 1893. La obra fue muy aclamada en la prensa. Muchos artistas lo atribuyeron a las mejores obras presentadas en la exposición y "causaron revuelo".

Retrato de Natalia Ivanovna Petrunkevich, casada con Konisskaya. 1893

Ge, como persona de mentalidad filosófica, estaba sobre todo fascinado por los temas históricos, religiosos y morales. Su famosa pintura "Pedro I interroga al zarevich Alexei" (1871) se considera, con razón, una de las obras más importantes de la pintura histórica rusa de la segunda mitad del siglo XIX. El artista soñaba con una transformación moral de la sociedad y en una serie de pinturas sobre temas evangélicos (La Última Cena, 1863; Gólgota, 1893; Crucifixión, 1894, y otros) buscó encarnar su fe en los altos ideales universales de bondad, amor y justicia. Ge comenzó a trabajar en retratos mientras aún estudiaba en la Academia de las Artes. Durante muchos años de creatividad, pintó a muchos de sus contemporáneos. Básicamente, estas eran figuras culturales avanzadas: M.E. Saltykov-Shchedrin, N.I. Kostomarov, IS Turgenev, N. A. Nekrasov, M. M. Antokolsky, L. I. Tolstoi y otros. Ge también posee uno de los mejores retratos de A.I. Herzen. Las obras ejecutadas en las décadas de 1850 y 1880 se distinguen por una profunda penetración en el mundo espiritual del modelo. La persona que hay en ellos suele mostrarse en un estado de intenso pensamiento. En su mayor parte, se trata de retratos de busto, su gama de colores es oscura y sobria. El retrato de Natalia Ivanovna Petrunkevich fue pintado por el artista al final de su vida. Ge ahora no está interesado tanto en comprender la originalidad del modelo como en transmitir un cierto estado de ánimo. La niña está representada casi en pleno crecimiento en la ventana abierta. Está inmersa en la lectura. Su rostro, de perfil, la inclinación de su cabeza, su postura expresan un estado de reflexión. Como nunca antes, Ge prestó mucha atención al fondo. El paisaje bellamente representado fuera de la ventana, los últimos rayos del sol antes de la puesta del sol deslizándose a través del follaje, la oscuridad que se acumula traen a la obra una sensación de fugacidad del tiempo, algo de alerta y ansiedad. En cuanto a la espiritualidad de la imagen y su interpretación lírica, así como el deseo de una solución al aire libre, esta imagen se relaciona con algunas obras creadas en la década de 1880 por los jóvenes artistas V.A. Serov y K.A. Korovin. El retrato fue pintado en la provincia de Chernigov en una granja que pertenecía a Ge. Fuera de la ventana de la habitación hay una vista del callejón de álamos y abedules gigantes que conduce a la casa del artista.

La hija de los terratenientes de Petrunkevich, que vivía en el barrio, posó para Ge. Recientemente se supo que N.I. Petrunkevich fue fusilado por los petliuristas durante la Guerra Civil. La obra se exhibió en la XXI exposición de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerante en 1893. ES DECIR. Repin, visitando la exposición, informó L.N. Tolstoi: “La forma en que un pintor logró un gran éxito frente a sus últimas obras. Me gustó mucho su chica, de pie junto a la ventana abierta con el fondo de un jardín iluminado por el sol poniente ". V.A. Serov también apreció mucho este trabajo. En 1910 le escribió a I.S. Ostroukhov: "... ¿por qué no hacer preguntas sobre retrato de Ge - Sra. Petrunkevich? Tal vez lo hubieran vendido a la Galería, algo excelente y lo recuerdo muy bien". Por recomendación de Serov, el retrato fue comprado para la Galería Tretyakov.

Irina Scriabina
Ensayo "Retrato de un maestro moderno"

Ensayo sobre el tema de« Retrato de un maestro moderno» .

Profesión maestro- uno de los mas viejos. De hecho, maestro es un nexo entre generaciones, portador de una experiencia socio-histórica.

Moderno la vida plantea nuevas demandas a una persona. La sociedad necesita personas que sean pensadores inquisitivos, activos y creativos, capaces de tomar decisiones no estándar y asumir la responsabilidad de su adopción, capaces de tomar decisiones de vida. Y siempre debe permanecer joven en su trabajo: mantenerse al día, no detenerse allí, estar siempre atento. Moderno el maestro debe ser un profesional en todo.

La profesión docente es, en mi opinión, la más importante del mundo. El maestro tiene que resolver muchos problemas interesantes de los niños. Probablemente esto no sea solo una profesión, sino un estado de ánimo, porque el primer maestro permanece en el corazón y la memoria de cada niño. Los niños, al ingresar a la escuela, encuentran una segunda madre, la misma cariñosa, lista para ayudar en momentos difíciles, explicar, enseñar, escuchar, juzgar en disputas, etc.

No hace mucho tiempo, la tarea principal de un maestro de escuela primaria era enseñar a los niños ciertos conocimientos, habilidades, desarrollarlos y consolidar habilidades. En nuestro tiempo de rápido desarrollo, esto ya es no es suficiente: es necesario no sólo "invertir" algún conocimiento, sino enseñar cómo obtenerlo, enseñar cómo aprender.

En el aula, el docente y el alumno deben ser empleados, ya que sólo en un ambiente de confianza y cordialidad el niño podrá descubrir y realizar su potencial. El trabajo principal y principal en la lección se asigna al estudiante. Después de todo, si a un niño se le alimenta constantemente con una cuchara y no se la da en las manos, no aprenderá a comer solo. Del mismo modo en lección: es necesario enseñar al niño a adquirir conocimientos por su propio esfuerzo, solo bajo esta condición el niño crecerá pensando, razonando libremente y no tendrá miedo de expresar y defender su opinión.

y la tarea contemporáneo los maestros se esfuerzan por desarrollar, enriquecer esta personalidad con conocimientos, habilidades, emociones y experiencia de vida.

Soy maestra en una escuela primaria. Responsabilidad de ser el primer maestro. Después de todo, es el primer maestro que los padres confían en lo más preciado que tienen: sus hijos. Y depende de mí, el primer maestro, cómo resultará no solo la vida escolar del niño, sino también su futuro. maestro puede crear un ambiente confortable para el equipo infantil. Después de todo, solo el respeto y la confianza, el amor sincero por los niños puede crear una atmósfera de comprensión mutua, ver a cada niño como una persona.

Moderno el maestro debe tener modales agradables, y esto incluye expresiones faciales, gestos, posturas y habilidades de comunicación, lo que conquista a las personas. Todos los modales del maestro deben tener una cosa en común: esta es la observancia de tacto pedagógico, que incluye una mayor sensibilidad hacia los demás y la capacidad de encontrar una forma de comunicación con otra persona que le permita mantener la dignidad personal. El docente debe ser capaz de escuchar, comprender, simpatizar, animar, perdonar al alumno.

Creo que esta es una persona con una posición de vida firme, socialmente activa, respetando el orden, capaz de llevar a cabo un diálogo constructivo, trabajando constantemente para mejorar sus horizontes, formando un tipo de pensamiento científico en sus alumnos, desarrollando cualidades personales creativas de los niños. , otorgando especial importancia a la formación de competencias básicas, UUD, brindándoles la oportunidad de planificar sus acciones encaminadas al logro de un determinado resultado, la formación de hábitos de vida saludable y competencias socio-sanitarias.

Para los estudiantes, las cualidades personales de un maestro son más importantes que las profesionales. Es decir, si un maestro es muy valorado por los estudiantes como persona, lo amarán a él y a su materia. Y esto permitirá que el maestro tenga éxito.

El maestro moderno es un hombre. a quien se cree, de quien esperan, aunque sea un pequeño, pero un milagro en cada lección. Y, por supuesto, hay una respuesta no solo del corazón de los niños, sino también de sus padres.

Amo mi profesión. Entiendo que para tener éxito en ello, necesitas un trabajo constante en ti mismo, como subir una escalera construida. Estoy listo para levantarme y mejorar...

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"Retrato de un maestro moderno"

consejero principal

Tarabykina E.S.

No hablaré sobre cómo debería ser un maestro moderno en general, pero, refiriéndose al hecho de que yo mismo trabajo en una escuela, reflexionaré sobre esta categoría de personas. Yo mismo era un niño y en mis fantasías pinté un retrato del maestro ideal. ¿Como era el? Frente a mí vi a una persona amable y comprensiva que siempre podría acudir al rescate en cualquier momento, serían asesores y mentores. Quería que el maestro me amara, me respetara, apreciara mi más mínimo éxito. Esto es solo una parte de lo que soñé en el largo camino a la escuela.

Como saben, en cualquier etapa de la educación, los niños necesitan un mentor, que es dado por Dios para predecir cómo resonará su palabra en el corazón tembloroso del niño, esperando comprensión, cuidado y apoyo de él.

La vida moderna impone nuevas exigencias a una persona. La sociedad necesita personas que sean pensadores inquisitivos, activos y creativos, capaces de tomar decisiones no estándar y asumir la responsabilidad de su adopción, capaces de tomar decisiones de vida.
Maestro. ¿Cuál es la base de su profesión? conocimiento de la materia? Indudablemente. ¿Oratorio? Ciertamente. ¿Amor por los niños, la capacidad de entender y sentir cómo aprende un alumno y lo que experimenta al mismo tiempo? Bueno, quién va a discutir. Y siempre debe permanecer joven en su trabajo: mantenerse al día, no detenerse allí, estar siempre atento. Un maestro moderno debe ser un profesional en todo.

El objetivo principal del trabajo de un maestro moderno es educar a una persona real: competente, creativa, diligente y receptiva.

No solo el atractivo visual, sino también el comportamiento verbal forman la imagen de un maestro. La percepción y comprensión de su discurso por parte de los estudiantes está asociada con el proceso de escucha, que representa aproximadamente el 25-50% del tiempo de estudio, por lo tanto, las habilidades del habla hoy en día son el componente profesional más importante de la imagen del maestro.

Hay reglas para la cultura del habla del maestro: hable en voz baja, pero para que todos puedan escucharlo, claramente, para que el proceso de escucha no cause un estrés significativo; velocidad de habla de unas 120 palabras por minuto. Recuerda: no solo eres escuchado, sino también visto, así que no te olvides del comportamiento no verbal (expresiones faciales, gestos, posturas, mirada, andar, postura).

Una mirada atenta, una sonrisa amistosa y gestos amistosos tienen un efecto positivo. Es importante recordar que los gestos explicativos contribuyen a una mejor asimilación de la información. Cada profesión tiene sus "no". También las hay en la profesión docente: un profesor no debe ser gris.

Como S.L. Soloveichik: “Un maestro común no es una combinación de palabras muy legítima: un maestro no puede ser un maestro común, de lo contrario no es un maestro ... El que se postuló al instituto pedagógico, de hecho, asume la responsabilidad de convertirse en una persona ideal, al menos para futuros estudiantes.”

La enseñanza no es sólo una profesión, es un credo de vida. El que seamos tales maestros depende sólo de nosotros.

Composición

La historia de N.V. Gogol Portrait consta de dos partes interrelacionadas.
La primera parte de la historia le cuenta al espectador sobre un joven artista llamado Chartkov, que un día, al entrar en una tienda de arte, descubre un retrato asombroso. Representa a un anciano con una especie de traje asiático, y el retrato en sí es antiguo. Pero Chartkov simplemente está impresionado por los ojos del anciano del retrato: poseían una extraña vivacidad; y destruyó la armonía con su realidad. Chartkov compra un retrato y lo lleva a su pobre casa. Mientras tanto, el sueño de Chartkov es hacerse rico y convertirse en un pintor de moda. En casa, examina mejor el retrato, y ve que ahora no solo los ojos están vivos, sino todo el rostro, parece como si el anciano estuviera a punto de cobrar vida. El joven artista se acuesta y sueña que el anciano salió de su retrato y muestra una bolsa en la que hay muchos fajos de dinero. El artista oculta discretamente uno de ellos. Por la mañana descubre el dinero. ¿Qué le sucede al personaje principal a continuación? Chartkov alquila un apartamento nuevo, encarga un artículo encomiable sobre sí mismo en el periódico y comienza a pintar retratos de moda. Además, la similitud de retratos y
clientes: el mínimo, ya que el artista embellece las caras y elimina los defectos. El dinero fluye como un río. El mismo Chartkov se pregunta cómo pudo darle tanta importancia a la similitud y dedicar tanto tiempo a trabajar en un retrato. Chartkov se pone de moda, famoso, lo invitan a todas partes. La Academia de las Artes le pide que exprese su opinión sobre la obra de un joven artista. Chartkov estuvo a punto de criticar, pero de repente ve lo magnífico que es el trabajo de un joven talento. Él entiende que una vez cambió su talento por dinero. Y luego está poseído por la envidia de todos los artistas talentosos: comienza a comprar las mejores pinturas con un objetivo: venir y cortarlas en pedazos en casa. Al mismo tiempo, Chartkov ve constantemente los ojos del anciano del retrato. Pronto muere, sin dejar nada atrás: todo el dinero se gastó en la destrucción de las hermosas pinturas de otros artistas.
En la segunda parte del cuento Retrato, el autor habla de una subasta donde se vende el retrato de un anciano. Todos quieren comprar una pintura extraña, pero la otra persona, diciendo que el retrato debería ir a él, porque lo había estado buscando durante mucho tiempo. La persona que compró el retrato cuenta una historia increíble. Érase una vez, vivía en Petersburgo cierto usurero, que era diferente de otras oportunidades para prestar cualquier cantidad de dinero. Pero una característica extraña: todos los que recibieron dinero de él terminaron tristemente con su vida. Cierto joven patrocinaba las artes y quebró. Pidió dinero prestado a un usurero y de repente comenzó a odiar el arte, comenzó a escribir denuncias, en todas partes veía la revolución inminente. Es castigado, exiliado y muere. O - cierto príncipe se enamora de una belleza. Pero no puede casarse con ella, porque está arruinado. Volviéndose hacia el usurero, se casa con ella y se pone celoso. De alguna manera, incluso se precipita hacia su esposa con un cuchillo, pero al final se apuñala a sí mismo. El padre del hombre que compró el cuadro del artista. Una vez el prestamista pidió retratarlo. Pero cuanto más dibuja, más repugnancia siente por el anciano. Cuando se dibuja el retrato, el usurero dice que ahora vivirá en el retrato y muere la noche siguiente. Se están produciendo cambios en el propio artista: comienza a envidiar el talento del estudiante... Cuando un amigo toma el retrato, la paz vuelve al artista. Pronto resulta que el retrato trajo la desgracia a un amigo y lo vendió. El artista entiende cuántos problemas puede traer su creación. Habiendo aceptado, tonsurado un monje, legó a su hijo para encontrar y destruir el retrato. Él dice: Quien tiene talento en sí mismo debe ser el más puro de todos en el alma. Las personas que escuchan la historia se vuelven hacia el retrato, pero ya no está allí, alguien logró robarlo.
Así termina la historia de N.V. Gogol Portrait.